Enkaustikos

Claudio Gallina - De escuela

2012-02-07T00:02:00.001-03:00

Claudio Gallina es una artista plástico nacido en Buenos Aires, Argentina en 1964. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón; Cursó estudios de escenografía con el profesor Lerchundi escenógrafo y vestuarista del Teatro Colón; y concurrió al taller de Osvaldo Attila, Cristina Santander, y Armando Sapia entre otros. También realizó escenografías para televisión y teatro.

Dentro de su obra es aquella centrada en el universo infantil la que más ha sido difundida y ha captado la atención del público de diferentes países del continente americano.

Sin embargo, las obras de Gallina son mucho más complejas que las correspondientes a ese período, son incisivas y por sobre todo, autobiográficas. Gallina nunca subestima al espectador y siempre deja un resquicio para que se filtre la libre interpretación. Una obra de Gallina puede llegar a tener varias lecturas pues las capas de sus diversos significados sólo se dilucidan con el tiempo y la paciencia de la observación. Allí el espectador encontrará sus propios recuerdos y matizará las imágenes con anécdotas propias. Gallina es emocional y una de sus etapas, la de sus famosas escenas escolares, nos sirve para entender la tela que ha cortado este pintor.”

Sus pinturas han participado en importantes ferias dedicadas a las artes plásticas tales como el Art Miami, Art Americas, Muestra México, Art Chicago, Feria Internacional de Hannover, Alemania y forman parte de la colección Museum of Latin American Art (MOLAA) de Long Beach, California. Ha sido expuesta también en Estados Unidos en la Galería Zuber Fine Art, Massachussets y la Meridian Center Exposición , en Argentina en la Arte Ba, Galería Le Point, de Buenos Aires y en México en Praxis México.

Como siempre los invito a disfrutar de algunas obras del artista.

Descubrimiento Postal Pasándose de la rayaEnramadosRayuelaVoláTe seguiré, me seguirás
Atrapa sueños ContinentesGallito ciego Esperando una respuesta Jugamos ?Homo Ludens V Laberinto Rango Tarea para el hogar ST Como siempre les dejo una tecla de enlace a algún sitio donde poder apreciar otras obras del artista.

Espero les haya gustado.
Chau.

Gabriel Sainz - Memorabilia sepia

2012-02-01T00:02:00.003-03:00

Gabriel Sainz es un artista plástico argentino, nacido en la provincia de Buenos Aires en el año 1967, y que como muchos de sus colegas, tuvo una temprana relación con elementos de juego que luego serían sus futuras herramientas de trabajo. Esto se debió a que su madre era estudiante de Bellas Artes y su padre un aficionado al dibujo, de tal manera que ellos terminaron siendo quienes lo estimularon en los primeros años en lo que luego sería su vocación definitiva.

Concurrió a los talleres de Guillermo Roux , Eduardo Faradje y Guillermo Urbano. También asistió al taller de Juan Doffo y fue becario de la Fundación Antorchas donde tuvo como profesores a Remo Bianchedi, Marcia Swartz, María José Herrera y Laura Batkis. Cursó también la Licenciatura en Artes Visuales en I.U.N.A. ( Instituto Universitario Nacional del Arte) aunque no los finalizó.
Gabriel adopta un estilo de memorabilia y sentimientos melancólicos adheridos a aquellas imágenes fotográficas antiguas, de tonalidad sepia, que todos disfrutamos con curiosidad. Sus imágenes, en muchas ocasiones de tono surrealista, nos transportan a un mundo posible y lejano en el tiempo, donde los sueños quedan impresos en acetatos o placas tratadas con yodo, plata y mercurio, como antiguos Dagerrotipos virados a tonos marrones para su mejor preservación.

Sin duda en sus composiciones se descubren elementos de la realidad que nos conectan mágicamente a ese mundo de fantasía al que Gabriel nos quiere transportar con sutiles toques de humor, haciendo que cada una de sus obras sea un regalo para nuestros ojos.

Sus trabajos han recibido numerosos premios y menciones y se encuentran en varias colecciones privadas de Argentina, Brasil, Chile y Colombia,

Los invito a disfrutar de una pequeña selección de sus trabajos.

Intemperie

ST STST Rolling Stone II Necochea, Diciembre 1941 ST Necochea, 1932 Pampa cercana al Salado, inmediaciones de Bragado Laguna Paiva. 1937 Iniciación IIIST Pampa de Achala, década del 20 El zorzal II 17 de noviembre de 1929 Cerca de Tombo Aguada Cecilio ST ST Los inmortalesST ST

Como siempre les dejo un enlace hacia los sitios del artista que en este caso son dos, ambos en Blogspot.

Espero les haya gustado tanto como a mi.

Chau.

Sol Halabi - Rostros y sombras

2012-01-25T00:03:00.000-03:00

Sol Halabi es una artista plástica argentina nacida en la ciudad de Córdoba Capital, en el año 1977.

Cursó estudios en el Colegio Nacional de Monserrat de la UNC (Universidad Nacional de Córdoba, Argentina) obteniendo el título de Dibujante Especialista en el año 1997.

Luego continuó sus estudios en la Escuela Provincial de Bellas Artes “Figueroa Alcorta” donde obtuvo el título de Profesora y Perito en Artes Plásticas en el año 2000.

Más tarde, en la misma Universidad Nacional de Córdoba, obtiene en el año 2002 el título de Licenciada en Pintura.

En su corta trayectoria la artista ha participado en muestras locales, tales como ARTEBA, e internacionales como Art Miami, y las ediciones de SOFA a través de la Galería de Arte que la representa.

Desde el año 1999 comienza a cosechar diversos premios.

¿Qué significa esto para una artista tan joven? Ella lo resume con estas palabras y un lenguaje que caracteriza a su generación:

“Es muy satisfactorio, está bueno, mientras no te cuelgues de eso. Está bueno para poder trabajar, para poder solo pintar y relajarte con algunas cuestiones. Colgarse o supeditar la obra a salones o espacios expositivos, te quita la conexión con la obra y así se pierde la sinceridad. Hay momentos buenos como malos, saber que es así y tomarlo con calma, está bien”

Criada en un círculo familiar de artistas, de muy pequeña se comenzó a interesar por el arte de pintar y aunque no siempre pudo dedicarse tiempo completo a ello, asegura que “Hoy por hoy puedo trabajar en el taller bastantes horas y para pintar soy toda una obrera. Me encanta y le dedico bastantes horas y energía”.

Las pinturas de Sol poseen un encanto sumamente interesante que impulsa al espectador a intentar descubrir ese mundo interior que los artistas transmiten en cada obra. Con la solvencia de una paleta académicamente formada y con su propio brillo natural, las obras de Sol transmiten la magia de las facciones suspendidas en polícromos entornos de texturas discordantes. La mezcla entre lo depurado y ordenado de su manera clásica de abordar el retrato en contraposición con los entornos y fondos caóticos, texturados y chorreados, hablan de la belleza y de la lucha entre el Caos y el Cosmos.

A través de los años Sol a logrado afianzar un estilo y una estética particular que nos permitirá reconocerla entre miles, y esa es justamente la mitad del camino que cualquier maestro debe recorrer para ser único y reconocible.

Estaremos atentos.

Los invito a curiosear algunas de sus obras.

El sonido es fuego

Crisalida FlorBolas de fuego y sauces Mirar el fuego es ir Encuentro y flor STEl sonido llegaBellezaBird Siesta Verano Dama y ciervo Me contengo Roja lagunaroja Noteveo Interior ST Como siempre les dejo una tecla de galería para que visiten el sitio oficial del artista.
Espero les haya gustado tanto como a mi.
Chau.

Darío Zana - Colorido social

2012-01-18T00:24:00.006-03:00

Darío Zana es un artista plástico argentino nacido el 25 de noviembre de 1982 en Buenos Aires.

Comenzó sus estudios en 1998 en el atelier “Arthea” culminando los mismos en el año 2003. Entre éste año y el 2005 concurrió a diversos cursos en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) Finalmente entre los años 2005 y 2006 perfeccionó su preparación estudiando con el artista plástico Martin Riwnyj .
En la actualidad vive y trabaja en Buenos Aires, donde además de dedicarse a pleno a la pintura imparte cursos en su propio atelier-escuela llamado Escuela Xarte que ya cuenta con cuatro años de vida y se encuentra ubicada en la ciudad de Banfield.
Además de haber sido galardonado con múltiples premios, su obra se expone en muestras colectivas y particulares con resultados de éxito remarcable.
Cuando paseamos por las galerías contemplando su obra, uno cree poder visualizar la evolución de estilos a lo largo de los años. Zana , caminó por el retrato descarnado, el collage, el hiperrealismo y el realismo mágico, dejando una huella indiscutible de posicionamiento generacional y de la estética que el mismo demanda. Casi como un pintor de protesta, Zana expone lo profundo del ser humano humilde y su rebeldía a prueba de chicanas.
Con técnicas y materiales disimiles se adapta a la idea primordial de cada obra proveyéndola de una textura y color que colaboran con la expresividad buscada en la composición .

Los invito a contemplar algunas de sus obras.

Cazadores de cielos Hombre de su casa Una casa gigante642965144217114El cuento de la vaca Un nuevo y extraño lugarLa casa del duende Volador Juan SalvoCicatrizDe camino y soledad RosaYa no existen fantasmas Inmobilidad Otoño El cerdoComo siempre les dejo enlaces para visitar los sitios del artista. En este caso mediante galería irán a su sitio personal, mientras que con la tecla enlace llegarán a su blog.

Espero lo hayan encontrado interesante.
Chau.

Pilar López Báez - Color de Aranjuez

2012-01-11T00:13:00.000-03:00

Pilar López Báez es una artista plástica arancetana, es decir , originaria de Aranjuez , en el sur de Madrid , que cursó estudios en el colegio Felipe II y en la Universidad Complutense , donde obtuvo los títulos de Licenciada en Historia del Arte y Bellas Artes.

Su obra pictórica gira en torno a temáticas de autorretratos y escenas familiares realizadas mediante collages, impresiones y pintura, que marcan una clara diferencia con sus trabajos en el área del diseño y la ilustración desarrollada en forma paralela a su carrera pictórica formal.
Esta otra vertiente artística la abrazó al obtener un Master en Diseño Gráfico que la acercó al diseño por ordenador y sus posibilidades, actividad que puede ser observada en:
http://nekonaku.blogspot.com.donde y que desarrolla en sociedad con Noa Velasco.

Sus series familiares son magníficamente desconcertantes, plenas de gestos cálidos y dulces, en cuerpos que se desmontan, multiplican sus miembros o son interrumpidos por mareas de diferentes texturas. Sus pinturas a veces recuerdan a obras de Francis Bacon o Sorolla.

Son dignas de disfrute las series “Sobre la Infancia”, “El espíritu de la Navidad”, “Esas vacaciones de verano” y “Escenas familiares”, donde se la observa en varios autorretratos como el que encabeza la nota.

Existen también series a pedido como la realizada para la revista Clmag, Made in China, titulada “Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines”

Con todo ese humor a cuestas, Pilar es una persona que sabe mirar su entorno con inteligencia y encontrar interesantes resultados sin necesidad de salir temáticamente de su circulo más cercano.

Los invito a disfrutar de algunas de sus obras pictóricas.

Sobre la infanciaSobre la infancia II Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines II Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines III El espíritu de la NavidadEl espíritu de la Navidad II El espíritu de la Navidad IIIEsas vacaciones de verano Esas vacaciones de verano II Esas vacaciones de verano III Esplendor en la hierba Escenas familiares Escenas familiares II Escenas familiares III Como siempre les dejo una tecla de galería para que puedan visitar, en este caso, el blog personal de la artista y tomar contacto directo con ella.

Espero les haya gustado tanto como a mí

Chau.

Vladimir Volegov - Mujeres y flores

2012-01-04T00:02:00.000-03:00

Vladimir Volegov nació en Khabarovsk, Rusia. según su familia (como siempre) comenzó a pintar a la edad de tres años y su talento fue notado repetidamente durante su adolescencia, período en el que en la vieja Rusia se seleccionaban a los jóvenes por sus aptitudes para cada trabajo y se les facilitaba el camino de su educación.
Luego de haber asistido a la escuela de arte de "Krivoj Rog" y haber estado cumpliendo con sus obligaciones ciudadanas en el ejercito, Vladimir fue finalmente admitido en el Instituto Poligráfico de Ivov (en la antigua unión soviética).
A partir del año 1984 Volegov comenzó a participar y ganar varios concursos internacionales del arte del cartel.
Más tarde, en 1988, se trasladó a Moscú y empezó a trabajar para las mejores empresas editoriales rusas haciendo principalmente diseños de cartelería, cubiertas de CD, arte de tapa para cassette de grupos musicales, etc. Gracias al trabajo desarrollado con estas empresas editoras consiguió hacerse conocido y presentar sus cuadros en múltiples exposiciones.
Desde el año 1990 Vladimir comenzó un recorrido enriquecedor por toda Europa subsistiendo por medio del dinero obtenido pintando retratos en las calles de Barcelona, Berlín, Viena y otras ciudades europeas. Gracias a ésta experiencia de campo, perfeccionó sus habilidades en la representación de la forma humana. Durante los últimos veinte años, su arte ha evolucionado en un trabajo figurativo.con una particular paleta de colores vibrantes y valientes golpes de pincel que se funden para crear imágenes enigmáticas que poseen una sensibilidad eterna.

Ya en febrero de 2004 Vladimir firma contrato con la empresa editora norteamericana "Soho Ediciones", y también comienza a presentar sus obras en galerías de Francia e Italia.

Sus mujeres etéreas y acicaladas, enmarcadas por floridos paisajes, traen consigo la magia de una primavera eterna con la fuerza de la luz y el color que muchas veces nos hace tanta falta.

Aquí les traigo unas pocas de sus obras para que las disfrutemos juntos.

STSTSTST STSTSTST STST ST ST ST ST STRelación de tamaño

Como siempre les dejo el enlace para visitar el sitio oficial del artista donde podrán apreciar una mayor cantidad de sus obras.

Espero le haya gustado.

Chau.

Gurbuz Doğan Ekşioğlu - Turquía ilustrada

2011-12-28T00:28:00.000-03:00

Gurbuz Doğan Ekşioğlu (quién firma sus trabajos como Gurbuz ) es un dibujante y diseñador gráfico turco de fama mundial.
Nació en Mesudiye, provincia de Ordu, allá por 1954.
Cursó estudios gráficos en el Colegio Estatal de Bellas Artes de Estambul (llamado en la actualidad Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Mármara ), donde continúa dictando clases como profesor asistente.

Gurbuz ha estado dibujando ilustraciones y caricaturas desde 1977 y cuenta ya con un total de 64 premios, 23 de los cuales son internacionales. Ha participado en múltiples exhibiciones colectivas nacionales e internacionales y también nueve exposiciones individuales incluyendo una en Nueva York.

Llaman la atención en él la sencillez y sutileza de sus composiciones y las similitudes técnicas e iconograficas con Pierre Le Tan, otro portadista de The New Yorker.

Gürbüz Doğan Eksioğlu, sin embargo, es un raro ejemplo de austeridad y visión entre lo surreal y lo poético. Sus caricaturas e ilustraciones han sido publicadas en varios periódicos y revistas, como Forbes, The Atlantic, The New York Times, y en cinco portadas de The New Yorker, entre ellas la famosa de fecha 15 de septiembre de 2003, una edición especial para el segundo aniversario de los ataques del 11 de septiembre de 2001 (la primera de la serie aquí presentada) , y el "On the Edge" del 5 de octubre de 2009 de la misma revista.

Los invito a observar algunos de sus trabajos.

STST STST STST ST ST ST STST STST ST STST Como siempre les dejo un enlace hacia la página oficial del artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Hamish Blakely - Tango británico

2011-12-22T00:04:00.000-03:00

Hamish Blakely es un artista emergente británico con un toque de sangre irlandesa que se ha dedicado a crear piezas altamente sofisticadas en ambientes bucólicos, logrando una atmósfera que transmite hábilmente un especial sentido de la narrativa.
Sus obras siempre se remontan a un período de tiempo lejano e indefinido, imbuido de un sentido del romance y la emoción recientemente puesto en escena mediante imágenes de la danza, creando un hibrido entre el tango y el flamenco, haciendo uso de su especial expresividad.
Hamish Blakely estudió en la Wimbledon School of Art, en la Universidad de Kingston, recibiendo un premio nacional poco después de recibido.

Cuenta que la casa donde transcurrió su infancia era un lugar donde podían ocurrir las cosas más extraordinarias al mejor estilo irlandés. Era un ambiente donde él y sus hermanos parecían condenados a hacer algo inusual a cada instante. Y él, por supuesto, esta agradecido de que así haya sido.

Su forma original de expresión fue el dibujo, dedicándose totalmente a él en busca de emular a los grandes artistas para entender los mecanismos que los llevaron a sus creaciones. Hasta que un día descubrió el coraje oculto como para comenzar a utilizar el color.

Claro, todo esto antes de realizar sus estudios formales, pues después de haber vivido tercamente en el mundo del blanco y negro, finalmente se encontró con la pintura. Su primera obra fue a los 18 años y si bien había pintado durante algún tiempo, la primera vez en que había hecho un cuadro tomándolo tan seriamente, fue entonces. Era un retrato de su padre, y fue el instante en que se percató de que podía ser bueno en ello.
Todo cambió. La Pintura reemplazó al dibujo por completo recuperando tanto tiempo perdido haciendo estudios preliminares con el lápiz o carbón, ahora la pintura espontánea con modelos hacía innecesarios los bocetos preparatorios .
Apenas salido de la universidad se convirtió en un exitoso y premiado ilustrador que sabe que en algunas oportunidades abordar una gama limitada de temas es la llave que conduce al éxito.

Observando su obra no es posible dejar de remitirse hasta el tango argentino y el flamenco español. La fuerza, la pose y la indumentaria nos aleja mucho de sus amadas islas británicas, tanto como hasta las bocas del riachuelo donde entre calles empedradas las parejas bailan a media luz, o los tablados andaluces rebosantes de palmas y hormonas.

Los invito a disfrutar de algunas de sus obras.

The last to leaveDuel Beaucoup damour The rehearsal The dreamersDamselTango Rouge Soft as sableQuiet time The piano stool At first sigth The gypsy in me Como siempre les dejo un enlace al sitio del artista para tomen contacto con toda su obra publicada en Internet.

Seguramente lo hemos disfrutado juntos.

Chau.

Johanna Harmon - Cosas de chicas

2011-12-14T00:34:00.000-03:00

Johanna Harmon nació en Tempe, Arizona, en 1968, lugar donde recuerda haber sido una apasionada del dibujo desde sus tempranos siete años ¿quién no?. Justamente esta aptitud tan usual en los niños no fue premonitoria de cómo aplicaría su talento natural en su vida adulta, y tal vez por ello, comenzó a trabajar en una empresa de diseño y fabricación.
A los veinticinco años comenzó a tomar numerosas clases en la Escuela de Artistas de Scottsdale y también a asistir a los talleres en la Denver Art Students League y el Instituto de Arte Fechin en Taos. A finales de los años 90 se trasladó con su marido a Colorado, logrando ya llegados sus 30, instalar un estudio en su casa para convertirse en una pintora de tiempo completo.
Johanna pinta sus figuras de forma precisa y con la calidez de quien ama la luz y el motivo del cuadro. En sus lienzos se equilibra el poder de observación y el detalle, con especial maestría en los aspectos formales del arte y su respeto y atención a sus figuras.

Sus modelos son en su mayoría mujeres, que difieren en su origen étnico y son a menudo bailarinas, madres con sus hijos y mujeres jóvenes en poses contemplativas.
Desde la decisión de abrazar su carrera a tiempo completo, Johanna ha disfrutado de un gran reconocimiento del público y de la crítica en general. Ha ganado numerosos premios incluyendo el Premio de la revista Plein Air de Excelencia en la Exposición OPA Nacional de Jurado en el 2005, William Schneider Premio OPA de Excelencia en 2003, y Best of Show en la Feria de los mejores y más brillantes egresados de la Escuela de artistas de Scottsdale en 2001. Su trabajo ha aparecido en publicaciones tales como Enfoque Santa Fe , El sudoeste y el arte de portada de Tendencias de Arizona. Actualmente vive en las afueras de Denver, Colorado.

Su técnica de estilo clásico nos recuerda obras de los grandes maestros victorianos, solo que en la obra de Johanna se encuentra prohibida la participación de cualquier hombre.

Los invito a observar algunas de ellas.

Autumn LightVintage Dreams BotanicalsDancers at rest Demure A Day To Remember Harmon-Rose Bouquet Wind Dance Toreadors In the Ocean open air Renewal Secret Garden Patterns and Hue Promise Sunday Sojourn ST Como siempre les dejo una tecla a galería donde podrán visitar el sitio oficial de la artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Andreas M. Weise - Autos y ladrillos

2011-12-07T00:02:00.001-03:00

Andreas M. Weise es un artista plástico alemán nacido en Wuppertal una ciudad de Alemania, perteneciente al Bundesland de Renania del Norte-Westfalia, en el año de 1966.

Cursó sus estudios en la Academia de Arte de Düsseldorf entre los años 1987 al 1993 graduándose con un Meisterschülertitle, el equivalente a un MFA (Master of Fine Arts).

En el 2000 fue alumno del Prof Konrad Klapheck , un pintor y artista gráfico alemán cuyo estilo pictórico combina los rasgos del realismo, el surrealismo y el Pop art, estilo que atrapó a Andreas desde mucho antes de tomar sus clases.
Sus esfuerzos se vieron recompensados al ganar el Premio de la primavera de 2000-Stiftung, Wuppertal premio que le otorgó el impulso que él estaba necesitando para encarar nuevos desafíos.
Así en 2003 co-funda la Neuen Bügelei in Wuppertal lugar donde se promueve la difusión del arte y los nuevos artistas.

Andreas sin duda logra con sus obras mediante el color saturado de sus azules y rojos llevarnos a un viaje a nuestra infancia donde la fuerza del color se extendía por todo lo que observábamos y tocábamos. Desde sus telas viajamos a mundos de colores puros y trastocados donde los ríos son rojos y la nieve azul o del color que en ese momento se nos ocurra. Jugando con el estilo Naif pero sin caer en él, juega con la composición y el surrealismo que casi inadvertidamente se cuela por nuestras retinas.

Su realismo a veces mágico, a veces pegado a la ilustración provee a sus obras de una calidez que las destaca y que hace que todo espectador sienta que fueron extraídas de su propio subconsciente lleno de autos de juguete.

Su obra engalana múltiples colecciones pero Andreas ha preferido exponerla, tanto colectivamente como individualmente, sólo en su Madre Patria.

Los invito a disfrutar de una pequeña selección de ellas.

R Flo TaxKalte u Warme Kueche Der blaue kasten Das weisse Auto Die Sonne Fahrt nacht Lasswitz La Rauge One-Way-Street Past Place Die Last der Geduld Der rote Traeumer Der blaue TurmDie grossen Turbellarien Halt Blaukanal 1Como siempre les dejo un enlace a la página oficial del artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Françoise Nielly - Colores Flúo

2011-11-30T00:04:00.000-03:00

Françoise Nielly es una artista francesa, coqueta como pocas y poco dispuesta a decirnos su edad. Sólo sabremos de sus veinte años en el mundo del arte y cómo ese tiempo bien invertido la ha convertido en una consumada artista contemporánea. Ella vive en un mundo de imágenes que ha explorado en todos sus aspectos a lo largo de su vida adentrándose en la pintura, la fotografía, los bocetos, ilustraciones, y las obras generadas virtualmente por ordenador.

Gusta contar que su sentido del espacio y la profundidad lo ha heredado de su padre, que era arquitecto, pero tal vez no se aplique mucho en los planos cortos de sus obras. Creció en el sur de Francia, donde vivió entre Cannes y Saint-Tropez, nunca lejos de la luz, el color y el sentido de la atmósfera que impregna el sur de Francia. Esto va unido a sus estudios de Bellas Artes y Artes Decorativas y a su evidente sentido del humor y potente energía.
El trabajo de Françoise Nielly es expresivo, exhibiendo una enorme fuerza brutal y una fascinante potencia vital. Con sus imágenes se ha convertido en una artista que sintetiza sus creaciones en el impacto y la fuerza de la expresión de la imagen masculina y femenina. Sus trazos se asemejan a los ejecutados por la espátula agresiva y el pincel grueso con nervio y carácter, a fin de generar dinámicas propias que mezclan extrañas formas y tinturas ya que su principal característica es el uso de colores flúo, un vicio con maridaje en el arte moderno y su aplicación decorativa. Vitalidad y sensualidad, belleza humana de trazos duros, rostros masculinos y femeninos con tintes étnicos… La pintura de Nielly es exuberante y, sus retratos, están cargados de una mordaz sensualidad en la que solo podemos criticar el maniqueísmo del uso de facciones más cercanas a una tapa de Vogue que de un rostro normal tomado del ciudadano de la calle. Otra crítica podría darse en la utilización de modelos reiterados y de edades que sólo muestren su plenitud sexual y hacia que mercado están dirigidas sus obras.

Las mismas tienden a ser de grandes dimensiones lo que les da un aspecto aún más demoledor y nos hace perder la perspectiva de su condición de objeto artístico de calidad o simple mueble decorativo moderno.
Françoise Nielly dice de sí misma que es una apasionada mujer que ama la vida, los espacios abiertos, el sushi, Internet, el humor, los libros, París, Nueva York y Vancouver, pero ciertamente nada de eso tiene que ver con el arte ni con la calidad de una obra.

Resueltamente inscrita en su época, es una consumada artista o una artista de consumo, con 20 años de expresión artística como experiencia y una técnica repetida que explica la madurez de su trabajo y el perfecto dominio de su arte. Vive y pinta en París cerca de Montmartre, y muestra y vende su obra en Europa, en Canadá y en Estados Unidos.

Los invito a disfrutar de algunas obras con la luz apagada.

ST ST ST ST ST ST ST ST ST ST ST STST Como siempre les dejo un enlace al sitio de la artista donde en la sección Biografía podrán observar un video donde se la ve trabajar.

Espero lo hayan disfrutado.
Chau.

Tjalf Sparnaay - Megarealismo alimentario

2011-11-23T01:02:00.001-03:00

Tjalf Sparnaay es un pintor hiperrealista holandés nacido en 1954. Su educación en el arte ha sido autodidacta logrando gran éxito desde el año 1987, momento desde el que ha estado trabajando en su imponente obra buscando permanentemente nuevas imágenes que nunca hayan sido pintadas con anterioridad. Lo que él llama Megarealismo es parte del movimiento mundial de arte contemporáneo hiperrealista, y del cual Sparnaay es considerado uno de sus mayores exponentes.

El enfoque de Tjalf Sparnaay sobre su obra es juguetón, divertido y al mismo tiempo muy clásico y pictórico. En la tradición holandesa siempre se ha dado cuenta de la belleza de lo cotidiano. Él toma elementos triviales, tales como una bolsa de papas con mayonesa, una botella de salsa de tomate o una tarjeta postal envuelta en celofán y lo amplía a un tamaño monumental para eliminar el contacto referencial de su entorno. Cuando se coloca a estos objetos en un ambiente de arte clásico donde pierden su valor como elementos útiles, asumen una nueva y poderosa identidad. Un objeto trivial que es mostrado hasta en los detalles más pequeños y específicos se convierte en la mayor parte de los casos, en una majestuosa obra de arte. La fotografía sirve como cuaderno de bocetos para Sparnaay: las fotos son estudios para sus pinturas. Cada capa ha sido elaborada con rigor intelectual, tomando la fotografía como punto de partida. Durante esos iniciales años ochenta y noventa, la fotografía instantánea y la antigua línea narrativa de su obra se reunieron en lo que Sparnaay llama "Mega-realismo". ¿Dónde termina la fotografía y comienza la pintura ? Una pregunta que sigue siendo difícil de responder con honestidad.

Sus obras originales se exhiben y venden por marchantes de arte en tres países: OK Harris Obras de Arte de Nueva York, PlusOne Gallery de Londres, y la Colección de Arte Galería Rolde en los Países Bajos. Estos distribuidores lo representan en todo el mundo, generando interés entre los coleccionistas y atrayendo la atención de los museos.

Sus obras se encuentran en colecciones tales como la Sydney y Walda Besthoff Collection, New Orleans, LA y fueron publicadas en 2002 en el libro Tjalf Sparnaay, 'Óleo'
Los precios de sus óleos originales van desde los 10.000 € hasta los 45.000 €

Los invito a disfrutar de algunas de ellas siempre y cuando ya hayan comido algo liviano.

Draadjesvlees Big Hamburguer PastrySalat I Sandwich I GebakkeneiKreeftBoterham Kaas Botherhammen plastic zak Applepie Fruitsalade Sandwhish IITaart Tamaños Estudio Detalle Como es usual les dejo un enlace al sitio oficial del pintor para que disfruten de otras obras publicadas.

Espero lo hayan disfrutado.
Chau

Eric Fortune - Arte e ilustración

2011-11-16T00:36:00.000-03:00

Eric Fortune es un artista norteamericano residente de Columbus, Ohio.
Recibió su BFA en el Columbus College of Art & Design, donde al graduarse fue galardonado con el Premio Superior a la Excelencia. Su trabajo continuó hasta cosechar elogios con la aceptación de sus trabajos en prestigiosos concursos anuales tales como el de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York y Los Ángeles. También ha sido galardonado con el Premio Jack Gaughan como Mejor Artista Emergente de 2009.

Actualmente Eric centra sus esfuerzos en la elaboración de sus obras y las muestras de galería. Ha expuesto en las siguientes salas: Jonathan Levine (NY), Proyectos LeBasse (LA), Copro Nason Gallery (LA), La Rue Roq Gallery (Seattle), la Galería 1988 (LA), y muchas otras.

Caminando sobre el borde que marca la frontera entre la ilustración Manga y la obra pictórica formal, Eric se mueve de forma lírica, inquietante y sin embargo, conmovedora. El trabajo realizado casi exclusivamente en acrílico sobre papel de acuarela, juega con los difuminados, la luz y las perspectivas forzadas de personajes que, aunque tomados de la realidad, tienden a mostrar rasgos de la cultura animé. Estos son personajes que no están fuera de lugar en el mundo construido por Eric, ni en su casa, ya que son seres impregnados de la estética de sus propios mundos. Las pinturas son metáforas emocionalmente complejas que Fortune evoca de manera enqriquecedora. Su imaginería es tranquila pero dinámica, y sazonada con un toque de surrealismo que nos lleva a lugares más cautivadores, más allá de nuestra experiencia cotidiana.

Llena de matices emocionales, él crea un ambiente con iluminación suave pero fascinante. Así la paciencia y disciplina inflexible que se acumula lentamente sobre sus personajes y los mundos luminosos que ha creado, explotan irradiando vida.

Una verdadera y original “fortuna” que se está convirtiendo en una voz artística sutil y poderosa.

Los invito a observar algo de su obra.

FamineShade Oblivion A Moon of my Own Beyond the Past Allure In the SeaA Want to Believe Last Embrace Languish Moon Rising Lost Self-PortraitLuna In Passing

Como siempre les dejo el enlace al sitio del artista para que disfruten de muchas obras más.

Espero que lo hayan disfrutado.

Chau.

Esteban Diaz Mathé - Artista gaucho

2011-11-09T00:04:00.002-03:00

Esteban Diaz Mathé es un artista plástico argentino nacido en la Provincia de Buenos Aires en el año 1981. Si bien es Licenciado en Psicología comenzó a dibujar y pintar por primera vez hace tan solo 4 años y su carrera artística ha resultado meteórica. Su formación es netamente autodidacta dedicando sus dos primeros años de carrera a replicar por encargo a los grandes maestros de la pintura tales como Michelangelo, Leonardo, Carvaggio, Rembrandt… una vez dominada las técnicas del óleo, la pluma y la carbonilla, Diaz Mathé dejó las replicas de lado y comenzó a crear su visión personal retratando aquello que hace a su identidad. Es entonces que decide abrazar la pintura como actividad principal.

Desde entonces se ha dedicado a retratar e ilustrar personajes de su patria así como oficios autóctonos tales como el de soguero, platero, payador, esquilador, tropillero, alambrador... sin dejar de lado escenas de caballos y paisanos de a caballo, mula, etc. La fiesta criolla con todos sus personajes: el jurado, los apadrinadores, jinetes, reservados, bailes. La devoción del gaucho a la virgen . Las distintas razas de hacienda y tantas otras imágenes que quienes han visitado esas tierras tienen guardadas en un rincón del corazón como recuerdos camperos vividos o contados con aires de gloria.
Su obra abraza lo cultural, abunda en motivos contemporáneos plasmados a través de técnicas antiguas, propias de los grandes maestros del realismo. Sus motivos reflejan lo rustico y autentico de cada cultura.
Actualmente dirige dos Proyectos de Libro sobre el Gaucho Argentino (próximos a editarse). Uno ya concretado: “Ser Argentino”. El otro mucho más extenso e imponente que aun sigue su marcha.
Esteban en 3 años ya lleva visitadas 10 provincias y 30 Grandes Estancias que aun conservan Gauchos (primer eslabon esencial e insustituible en la cadena productiva del campo argentino), dispersas por el país. documentando e investigando, entremezclado con la paisanada en su trabajo diario, Así intenta captar através de su pintura la esencia más profunda del ser nacional.
La obra de Diaz Mathé es un regalo a los ojos de aquellos amantes de las costumbres camperas y la pintura realista. Un verdadero deleite que conjuga riqueza cultural con el virtuosismo del arte realista.

Los invito a disfrutar de parte de su obra.

STSTSTSTST ST ST ST ST ST STST ST ST Video promocional del nuevo libro del artista. Si pasa por Argentina ya sabe que puede comprar como recuerdo ;)

Como es usual les dejo una tecla de galería para que visiten el sitio del artista y así puedan disfrutar de otras obras y de un posible contacto con el mismo.

Espero lo hayan disfrutado mate en mano como yo.

Chau.

Sarah Graham - Caries y juguetes

2011-11-02T00:05:00.001-03:00

Sarah Graham es una talentosa artista británica contemporánea dedicada al realismo. Cursó sus primeros estudios sobre artes entre 1996 y 1997 al completar el BTEC y obtener el diploma Nacional en Arte y Diseño del colegio North Herts College, Hitchin, Herts (se trata de un curso intensivo de dos años para jóvenes mayores de 16 años que se instituyó en 1930 en Gales e Irlanda del Norte)

Entre 1997 y 2000 cursa y obtiene el BA (Hons) (Bachelor of Arts con honores, que sería el equivalente a una Licenciatura Matriculada con calificaciones óptimas) en Bellas Artes, en la Universidad De Montfort, Leicester.

Desde ese momento pasó su tiempo produciendo una gran cantidad de trabajo, lo que la lleva a su primera exposición en una galería de arte contemporáneo de Londres, y su primera Feria de Arte Asequible. La FAA se convirtió en su principal fuente de ingresos en los 7 años posteriores, logrando exponer en ella cuando se presentó en Nueva York, Melbourne y Sydney. Luego de casi un año, encontró un estudio más adecuado con su colega Charlotte Hardy y decidió exponer en galerías y ferias en los alrededores de Londres y Berkshire.

Su héroe y fuente de inspiración es el pintor alemán Gerhard Richter, quién sigue prolífico en la actualidad.

Los invito a obtener alguna caries observando sus pinturas.

Found my marbles Candy SwirlCarouselCupcake gemsBatteries not included Candy canesMetal man Drink me Cola candy Leaving Las Vegas Sweets for my sweet Sweet temptations Tin drummer Sweet Mayhem Les dejo un enlace que los llevará hasta el sitio oficial de la artista para que puedan disfrutar de otras obras y del día a día de su trabajo.

Espero que lo hayan disfrutado dulcemente.

Chau.

Jacques Bodin - Minimalismo hiperreal

2011-10-27T00:00:00.000-03:00

Jacques Bodin es un pintor francés nacido en 1949 que ha mostrado sus pinturas hiperrealistas principalmente en los circuitos de arte de París y Milán. Su trabajo, al mejor estilo fotográfico, acentúa las desviaciones de la realidad (la profundidad de campo, el gran angular, la iluminación, y las anomalías de enfoque) para crear una referencia hiperrealista a gran escala. Sus temas incluyen puntos de vista de close-up extremo y exacto de las imágenes tomadas de las sombras proyectadas a través del método de pintura lighting. Su obra es reflexiva, en general, de dimensiones muy grandes, y se ejecutan a partir de fotografías impresas sobre acetato transparente proyectadas sobre el lienzo de una obra mediante un retroprojector, una técnica ampliamente aplicada por los hiperrealistas. Sus sujetos se clasifican en pocas categorías tales como la figura humana de espaldas, la hierba, frutas , el pelo y los árboles, siendo extremadamente organizado en la manera en la que los captura y representa, haciendo uso de una atención igualmente meticulosa del detalle. Al acercarse al minimalismo, algunas de sus obras se embarcan en un nuevo aspecto conceptual de la hiperrealidad.

Los invito a observar algunas de sus obras

De dos XXXIVDe dos XXIX ST STST De dos IVArbre IIIArbre IV ST Fruits I Fruits VIIHerbes VHerbes VIIHerbes XI Como siempre les dejo un enlace a galería que los llevará hasta el sitio oficial del artista.

Seguramente lo han disfrutado tanto como yo.

Chau.

César Galicia - Memorabilia norteamericana

2011-10-19T00:03:00.000-03:00

César Galicia es un artista plástico español nacido en Madrid en 1957. Si bien comenzó estudiando Derecho terminó continuando sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, al mismo tiempo que realizaba cursos de urbanismo. Todos estos conocimientos le fueron de gran utilidad más tarde para lograr la alta calidad de sus obras plasmando principalmente aquello que hace a la memorabilia del acerbo cultural y popular norteamericano, con una precisión sorprendente.
Amplió más tarde sus estudios en Estados Unidos, donde experimentó con el hiperrealismo. Su primera exposición individual la realiza precisamente en la Galería Staempfli de Nueva York, y en esa ciudad establece su residencia definitiva adoptando su iconografía como motivo principal.
En sus propias palabras:

"Mi verdadera vida se encierra en mi estudio. Allí es donde yo, ajeno al mundo exterior, transformo en formas y colores mis sentimientos; me embriago con esencia de petróleo, trementinas, y otras mezcolanzas. [...] Mi lenguaje estético puede parecer agresivo, incluso extravagante, y quizás la visión de mi obra pueda propiciar alguna confusión óptica al espectador, pero nunca nadie podrá decir que no forma parte de mi vida interior, de mis convicciones más profundas, estando seguro que el público sabrá absorber su esencia, proporcionándole el disfrute de una experiencia de gran intensidad emocional."

Podemos estar o no de acuerdo con su visión de sí mismo pero sus obras transmiten lo que se ha dado en llamar ”mística urbana”, encontrando belleza en los graffiti de la ciudad, en las esquinas de las calles, en los objetos abandonados, en donde se imprime una rara mezcla de desolación y libertad.
Su extraordinario dominio de la técnica le permite reconstruir minuciosamente la apariencia de la realidad atrapada en una fotografía, poniendo la máxima dedicación en los brillos, las texturas y los colores de objetos comunes.

Los invito a disfrutar de algunas de sus obras.

La motocicleta Bodegón de Mickey31914 Siemens Bodegón con lámparas El triciclo Naturaleza muerta con ventiladorMotor Long Island La moto Naturaleza muerta con aguja negra La bicicletaTeléfono americano Boceto de naturaleza muerta en Téllez Como siempre les dejo un enlace a galería para que puedan visitar el sitio del artista y de ésta forma llegar a tomar incluso contacto con él.

Seguramente lo han disfrutado tanto como yo.
Chau.

Alberto Thormann - Cuyo abstracto

2011-10-12T00:03:00.000-03:00

Alberto Thormann es un artista plástico argentino nacido en Mendoza en 1959, y graduado en la Universidad Nacional de Cuyo, Facultad de Arte, especialización Grabado.
Obtuvo en su carrera más de 24 distinciones como grabador, dibujante y pintor. Su Primer Premio de Pintura lo obtiene a los 11 años en un concurso de murales organizado por la Cámara Empresaria de Maipú. Mendoza.
Realiza exposiciones grupales e individuales desde 1984 , entre ellas podemos mencionar : Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires Argentina, Museo Emiliano Guiñazú “ Casa de Fader” Mendoza Argentina. Centro de Actividades Artísticas de la Universidad Nacional de Cuyo.. Instituto Cultural de Providencia. Santiago de Chile. Exposición Itinerante “tiempos de cambio” República de Chile. Pintura Argentina en Canning House. Londres. Inglaterra. Galería de Arte de Park Hyatt Mendoza. Galería Grillo. Punta del Este. Uruguay. Rueda en Los Naranjos. Marbella, España.
Thormann realiza diferentes actividades relacionadas con su quehacer artístico, trabajando en muestras personales en las bodegas de su provincia, realiza trabajos murales junto a su esposa la escultora en cerámica Alejandra Civit, es columnista de revistas de arte y decoración, realizó un libro de pintura ”De sueños y mares” con distribución de 7000 ejemplares para la colección IMPSAT y diseñó las cajas lumínicas en la Fiesta Nacional de la Vendimia del año 2004 con una superficie de 1800 metros cuadrados y aprox.5.000 luces de colores.

Su trabajo artístico ha sido presentado en publicaciones nacionales e internacionales privadas y / o Estatales.
Dictó cursos de Introducción al Arte y Dibujo en la Facultad de Cerámica de la Universidad Nacional de Cuyo.
Fue docente desde el año 1997 hasta el año 2003 en el nivel primario del Colegio Andino y el Tomás Edison. Desde el año 1998 hasta el año 2003 dictó cátedra en el nivel secundario del Colegio Compañía de María y Colegio San Jorge en Mendoza. Dictó el curso de Grabado con técnica de Collagraf en el 5º Encuentro Nacional y 2º Encuentro Internacional de Grabado en Resistencia, Chaco, Argentina. Es docente de las cátedras de Dibujo I y II en la Universidad Marcelino Champagñat de Mendoza. Dicta cursos y talleres de dibujo, pintura y grabado en Mendoza, Córdoba y Chaco.
Sus obras se exponen y forman parte de colecciones públicas y/o privadas en Chile, Canadá Taiwán, México, España, Inglaterra y USA.
Actualmente reside en su ciudad natal, Mendoza.

En su obra no hay bocetos o dibujos previos ya que comienza a partir de una mancha generando trazos y brillos que termina plasmando en la tela. Sus pinturas son óleos sobre tela y sus dibujos técnicas mixtas con carbonillas, tizas pastel y acrílico en blanco y negro sobre tela. Siempre demostrándo un marcado interés por el detalle y el equilibrio estético.

Los invito a contemplar algunos de sus trabajos.

Cruz de luz La gran isla La salida Constructor de soles Dos mariposas símbolo de poder Cascada de luz El tesoro Entre nubes Cambiando al tiempo Volver I Volver II Pájaro de luz Invierno en la viña Como siempre les dejo un enlace hacia el sitio oficial del artista para que puedan tomar contacto directo con él y apreciar la totalidad de las obras que muestra en Internet.

Espero lo hayan disfrutado tanto como yo.

Chau.

Toshiyuki Enoki - Japón occidental

2011-10-05T00:01:00.000-03:00

Toshiyuki Enoki es un artista plástico y diseñador nacido en Japón, más precisamente en Tokio en el año 1961.
Obtuvo su bachillerato en Artes con Premio de Diseño en 1986. En 1988 ya había obtenido su Maestría en Arte como graduado de la Escuela de Bellas Artes en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, Japón donde también logró su título como Investigador, en el Departamento de Diseño, hecho ocurrido en 1989.

Entre los años 2001-2004 fue Profesor del Departamento de Diseño de la misma institución, para finalmente dedicarse a tiempo completo a su producción artística.

Tal vez sin la autoridad académica que se me requeriría para hacer un comentario, imagino que la obra de este artista refleja la historia pictórica del Japón. Toshiyuki Enoki recrea desde la era Muromachi donde se enfatizaba la pintura monocromática en tinta, con una profunda influencia de la cultura china promovida principalmente por los monjes zen a través del estilo Sumi-e , pero que él mezcla con el período Azuchi-Momoyama caracterizado por la pintura decorativa de palacios, que hacía uso de láminas de oro sobre superficies a gran escala. Toshiyuki también las utiliza incluyendo también el lápiz de oro.

Ésta última tendencia pictórica fue patrocinada por los famosos shōgunes y fue elevada al rango de arte oficial por excelencia de esta clase social. Toshiyuki Enoki no la olvida y también la mezcla con la pintura decorativa Rinpa de la era Edo , que se centraba en temas tradicionales e impulsó el renacimiento del estilo Yamato-e.

Para completar esta compleja unificación de estilos Toshiyuki Enoki introduce conceptos occidentales, tales como los personajes de cuentos de hadas, los seres mitológicos de occidente y los rasgos occidentales de sus modelos. Esto corresponde a mi criterio a una imaginería impuesta a inicios del período Meiji cuando se sufrió un cambio profundo debido a que el gobierno japonés promulgó una campaña de occidentalización fomentando la pintura Yōga en la que se promovía un enfoque en la cultura europea. Aunque ésta tendencia perdió fuerza a medida que surgió un género artístico opuesto que buscaba recuperar las raíces culturales japonesas que se habían debilitado y que se denominó Nihonga. A pesar de las diferencias estilísticas de ambos movimientos pictóricos, a finales de la era Meiji los dos géneros iniciaron un proceso de síntesis.

Esa síntesis se observa claramente en la obra pictórica de éste artista asiático que sabe crear texturas y contrastes utilizando los elementos y materiales característicos de su tierra, uniendo oriente y occidente en una imaginería única y particular.

Los invito a ver algunas de sus obras.

Aquarium Buffalo Blanc Golden Monkey Figura Feng Humanoid Invernada Je te veux Rose Andrómeda Horse II Spring Phoenix Madre audaz Rainy Forest River Head Atmosphere Autumn La oearlPrayer Pavane TigerCocoon

Si bien he pedido ayuda para eliminar algunas obras y achicar el post, me ha sido imposible seleccionarlas.

Debo agradecer a la amiga KlimtBaLan y su entrada sobre Enoki que me indicara el camino.

Les dejo algunas teclas que los llevaran a los sitios del artista.

Seguramente les ha interesado tanto como a mí.

Chau.

Enrique Testasecca - Paisaje Cuyano

2011-09-28T01:38:00.000-03:00

Enrique Testasecca es un artista plástico nacido en Mendoza en 1974, donde cursó estudios de arquitectura en la Universidad de Mendoza y más tarde artes plásticas en la Universidad Nacional de Cuyo.

Testasecca observa con fidelidad la naturaleza que lo rodea y la reinterpreta con su particular sinfonía de tonos y veladuras avanzando hacia una síntesis formal y cromática donde montañas y cielo se convierten en franjas aladas o ígneas que se despliegan, majestuosas ante el espectador.

El pródigo paisaje mendocino ha motivado a los grandes maestros que nacieron o vivieron en Mendoza; como Fernando Fader; Fidel de Lucía, fundador del Museo Provincial de Bellas Artes, y organizador del Museo de Bellas Artes "Fernando Fader" de Godoy Cruz - Roberto Azzoni, Fidel Roig Matóns, Carlos Alonso, Juan Scalco y otros tantos de los que Testasecca es un digno continuador.

¿Por qué el paisajismo? Testasecca explica: “Fue una búsqueda de mucho tiempo: cómo volver a interpretar el paisaje, que es una escuela tan difundida e importante hace más de 50 años en Mendoza, en esta nueva corriente de la pintura que desde los ’90 fue un poco ignorada”.

“Viví seis años en Buenos Aires, en la universidad trabajaba el paisaje, pero la madurez de la técnica fue una búsqueda desde lo emotivo, la memoria, el sentir. Al ser un entorno tan urbano, esa falta de cielo, de horizonte, de amplitud espacial que la ciudad no da, pierde esa impronta de ciudad armónica. Eso me hizo buscar una imagen emotiva en mi memoria de ser un caminador del paisaje. Ese fue el disparador”.

Ha sido parte de los equipos museográficos de Fader, Killka y el Área Fundacional.
Su obra ha sido montada en más de 10 exposiciones colectivas y en ocho individuales, en el país.

Los invito a disfrutar de algunas piezas.

STST ST Colores Sanjuaninos ST Registros CuyanosST ST ST ST Horizonte en rosa ST Sin duda una hermosa muestra de su obra que, por fallas de promoción, carece en su gran mayoría de títulos, no porque no existan,sino porque se hace necesaria una mayor difusión del trabajo de éste artista.

Les dejo una tecla a galería donde llegarán al blog de Enrique Testasecca donde podrán disfrutar de unas pocas obras más.

Seguramente lo han disfrutado tanto como yo.

Chau.

George Underwood - Covers musicales

2011-09-21T00:36:00.003-03:00

George Underwood nació en 1947 en Inglaterra y se unió a la Escuela de Arte Beckenham en 1963, cuando apenas contaba con 16 años.
En la escuela de arte se vio cada vez más interesado en la música condición que dio como resultado su carrera en el mundo de la música. A lo largo de su vida fue amigo de David Bowie e hizo un registro (The King Bees) y también un disco en solitario bajo el nombre de James Calvin.
Después de decidir que el negocio de la música no era para él, George volvió a los estudios de arte y trabajó en estudios de diseño como ilustrador. Inicialmente se especializó en los diseños de tapas para libros de fantasía, horror y ciencia ficción.
Muchos de sus colegas en el negocio de la música le solicitaron que diseñara varias obras para ilustrar las tapas de sus discos. Esto llevó a George a convertirse en un artista independiente muy bien pago. Diseñó el trabajo de arte para el primer álbum de T Rex y luego los álbumes de David Bowie, Hunky Dory y Ziggy Stardust, trabajos que lo establecieron como uno de los ilustradores de arte más importantes y creativos.
Durante este período, George produjo literalmente cientos de portadas de libros, portadas de CD y LP, publicidad, retratos y dibujos.
En un principio, allá por la década de 1970, había comenzado a pintar al óleo. Sus pinturas fueron influenciadas en primer lugar por la Escuela de Viena de realismo fantástico, que incluye artistas como Ernst Fuchs, Rudolph Hausner y Eric Brauer. George los consideraba como visionarios contemporáneos como Bruegel y Bosch. Estaba fascinado por sus visiones imaginativas.
La imaginación, entonces, es la palabra clave en las pinturas de George. Rara vez utiliza el modelo vivo, hoy en día prefiere inventar a cada persona que habita en su mundo personal.

"George, a lo largo de los años, perfeccionó su trabajo hasta el punto en que lo pondría entre los pintores figurativos que sobresalen en este momento en el Reino Unido . Hay un sublime aislamiento que rodea a sus sujetos que llegan a tocar realmente al espectador, las figuras se ven heroicas y vulnerables al mismo tiempo. Hay un elemento intemporal en la elección del tema que se superpone con el mundo mítico de viejo Nerdrum , por ejemplo. Ahora que se lleva a cabo un gran cambio en la pintura , yo espero ver el nombre de George ubicándose más y más alto cada día"
David Bowie

Coincidiendo en los dichos del músico, les traigo algunas de sus obras para que las disfrutemos juntos:

Lost expression Big in JapanMinotaurProfile of Marked ManThe Vocalist Coq au vin The Nine Unknow Men TrafficWarrior A Marked Man 2 A Great Dane in New YorkHands as a Young Man The Cape I Believe in You Themen Centaur Eyes Shadow

Les dejo un video complementario

Como siempre les dejo un enlace al sitio del artista donde podrán apreciar una inmensa cantidad de obras y otros ítems de gran interés.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Jonathan Wolstenholme - Hombrelibro

2011-09-14T00:05:00.001-03:00

Jonathan Wolstenholme es un artista plástico nacido en Londres en 1950. Cursó sus estudios de arte en la Escuela de Arte de Croydon entre los años 1969 y 1972. Está casado y tiene dos hijos.
Wolstenholme tiene particular predilección por realizar sus pinturas a la acuarela y exquisitamente detalladas, entre las cuales se observan muchas referencias a las ilustraciones de los antiguos libros de cuentos de la época Victoriana y principalmente la utilización de los libros como actores principales de pequeñas historias relatadas en tan solo una imagen. Como muchos, Jonathan está fascinado por el mundo de los libros antiguos y la parafernalia de esa época pasada, cuando la artesanía era un bien altamente apreciado. Sus trabajos en acuarela cuentan con un nivel exquisito de detalle de manera tal que resulta posible leer cada palabra incluida en las páginas de los libros que él pinta.
Jonathan ha realizado tres exposiciones individuales en Londres y ha expuesto también en el “Concurso Ojo Avizor” ganando su premio adquisición en el año 2002. En 1997, se expuso su obra en Nueva York en el concurso "Works on Paper" En 2003 expuso en forma conjunta con su colega George Underwood también con inmejorable acogida por el público. Jonathan también participó en una exposición de artistas idiosincrásicos en Tanglewood, cerca de Boston en 2004 y en el Festival de Edimburgo en el mismo año. Wolstenholme expone con regularidad en las galerías de arte más importantes de Londres y Glasgow.
Como ilustrador ha trabajado para las principales revistas y periódicos imponiendo su propia marca de humor peculiar.

Es que Internet se encuentra ávida por este tipo de ilustraciones que sin lugar a dudas hacen a una perfecta decoración en un blog literario.

Los invito a disfrutar de algunas de ellas.

Methamorfosis ST The Three Wise Books Crime Writer Literary Just ST The Three Old Tomes You Cannot Judge a Book STST A Quiet Reading ST Fly Fishing The Carrot Man The Veterinary Mechanic The Big Pig Sabrán disculpar que en esta oportunidad me haya excedido en la cantidad de imágenes. Lamentablemente aún así no he podido incluir toda la obra de este artista excepcional y me han quedado muchas más en el tintero. Por desgracia el sitio oficial de Jonathan Wolstenholme se encuentra desactivado y no aparece en los nomencladores oficiales usualmente utilizados por los artistas. Debo pedir disculpas también por la escasa calidad de la foto personal del artista así como por la falta de algunos títulos.

Como compensación vaya aquí un video.

Y les dejo otra dirección donde consultar sobre el artista.

Espero lo hayan disfrutado tanto como yo.

Chau.

Darío Ortiz Robledo - Colores del Tolima

2011-09-07T00:12:00.002-03:00

Darío Ortiz Robledo es un artista plástico nacido en 1968 en Ibagué, capital del Tolima, Colombia .
Expone colectivamente desde la edad de 15 años e individualmente desde los 18. Realizando hasta la fecha más de 100 exhibiciones colectivas en 15 países y una veintena de muestras individuales en Italia, Francia, Austria, Eslovaquia, Venezuela, Estados Unidos y Colombia. En 1989 y 1993 Estudia Historia y Apreciación del Arte en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y hace la Cátedra Internacional de Arte Luis Ángel Arango. Su obra ha sido ganadora de premios en el XXI Salón de Agosto en Bogotá, el II Mundial Artistique Art-Vie en París, el XI Premio Italia per le arte visive en Florencia y más recientemente en la II Bienal Internacional de dibujo de Bogotá.
Desde el año 2003 es Presidente fundador del Museo de Arte del Tolima y dos años después funda la revista Arte para Fanáticos. En el 2005 escribe el ensayo Los dibujos de Vásquez y Ceballos para el Museo de Arte Colonial de Bogotá y rediseña las salas del museo dedicadas a Vázquez.
Son representativas sus muestras Dario Ortiz Pittore e Disegnatore, en el Museo Cívico de Abano Terme en Padova Italia en el 2001 con una selección de 50 trabajos; la muestra del mismo año en el museo del castillo Fürsteinberg de Weitra Austria; las 25 obras llamadas Crónicas de Guerra expuestas en el Kulturzentrum El Arcángel de la Ciudad de Viena Austria del año siguiente; El tiempo una Entelequia, realizada en año 2003 en el Palacio Presidencial de Bratislava en Eslovaquia y La Condición Humana realizada en la galería Mundo de Bogotá, en la Feria ARTBO de Bogotá en el 2006 y en la Feria Internacional de Arte de Caracas FIA en el 2007
Ese mismo año el Museum of Latin American Art de Long Beach California incluye tres de sus obras en la importante exposición La Presencia: Arte latinoamericano en museos de los Estados Unidos, al lado de Freda Khalo, Diego Rivera, Rufino Tamayo y Fernando Botero entre otros.
Sus obras se encuentran en importantes colecciones públicas como las de los museos arriba citados y el Albertina Museum de Viena o el Museo de Antioquia de Medellín y en colecciones privadas como las de Salma Hayek, Ricardo Arjona y el tigrillo Azcarraga en Méjico, Juan Luis Guerra, Mustafa Abunaba en República Dominicana, Jean Luc-Varoni en Londres, la colección Haccchmann de Holanda o la Weil de Hong Kong entre muchos otras.
En la actualidad trabaja entre Nueva York y Bogotá.

Su obra se concentra en la figura humana y el desnudo con una particular predilección por el claroscuro y el “cameo” en sus propias obras. Así apreciaremos su depurada técnica desarrollando composiciones renacentistas pero con la intromisión de figuras humanas del nuevo siglo, plagadas de cuerpos perfectos y turgentes cirugías estéticas, donde su propia persona aparece repetidas veces como actor o espectador de escenas muy logradas en el estilo y en algunos casos con una extraña dinámica.

No queda duda de la calidad de las obras del maestro Darío Ortiz Robledo y el simple privilegio de poder observarlas ya hace innecesaria cualquier intentona crítica.

Los invito a hacer un poco más alegre su día observando algunas de sus obras.

El Vehemente La Joven de la Aureola Amarilla The Harem Los Apóstoles de la Carne La Modelo de Bouguereau Disputa de la Trinidad, Variaciones de un Tema Clásico Los Testigos Youth and Experience Concentración, Vida de ArtistaLa Edad Dorada ST
Les dejo el enlace al sitio del artista:

Espero lo hayan disfrutado tal como yo.
Chau.

Carmen Varela - Urbana y floral

2011-08-31T00:20:00.000-03:00

La artista plástica Carmen Varela vio por primera vez la luz , los colores y las formas en Madrid allá por el año 1959. Desde entonces su ojo atento y su colorida alegría no la ha abandonado llevando ya más de treinta años dedicados a oficios artísticos en los campos de la pintura y la escultura. Su formación académica se desarrolló en La Escuela de Artes y Oficios de Madrid, aunque lo que para ella tiene más peso en su trayectoria es su formación libre y autodidacta.

En su obra reconocemos a la artista que se maneja a gusto con las dos dimensiones sin interés en marcar profundidades como no sea por la temperatura del color aplicado a las formas. Los mismos se conforman con una paleta de colores puros y brillantes acordes a las temáticas florales y urbanas, ambientadas mayormente en épocas donde el sol martilla con sus brillos las superficies observadas. Ese mismo efecto nos remite a la ilustración gráfica de colores limitados pero intensos.

Sin embargo el soporte suele ser usado también como medio expresivo, convirtiendo a su obra plástica en una mezcla amable entre pintura y escultura. Las tablas cobrarán profundidad, cortes, formatos circulares o alargados, e incluso se mimetizarán dentro de conjuntos escultóricos de gran impacto visual. Estos últimos pueden ser observados en su sitio personal, donde esta querible artista nos dice con total razón que:

“Si cada persona es un mundo mis trabajos son mis mapas”

Los invito a disfrutar una pequeña selección de sus trabajos.

El silencio de las cosas Amorosas avesMirada miradaLa grandeza de lo pequeño Mundos reflejados La superficie del mundo o lo que en verdad importa La estrella fugaz Tulipa purísimaMiradas o mayo de 2008
Flores líquidas
Edificio Telefónica

Como siempre les dejo algunos enlaces para que puedan seguir observando obras de la artista o tomar contacto directo con ella. La tecla galería los llevará a su sitio oficial y el enlace a su blog.

Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo ya que ha sido una sugerencia de nuestra amiga Noah.

Chau.

Balaguer - Arte en los objetos

2011-08-24T13:01:00.002-03:00

Josep-Enric Balaguer i Pelegrí es un artista plástico nacido en 1962 en Gratallops, un pequeño pueblo situado en el centro de la comarca del Priorat, en Cataluña. Vive y trabaja en Sabadell, Barcelona.
Ya de pequeño Josep-Enric Balaguer mostró un gran interés por el dibujo. Sus padres alentaron su pasión y conocimiento por el arte llevándole a ver exposiciones y museos. Después de su educación escolar básica Balaguer decidió especializarse en el dibujo técnico, pensando que representaba un futuro económico más fiable que la profesión de pintor.
En 1984, Balaguer se apuntó a una academia de ilustración, produjo dibujos para revistas culturales tales como “Quadern” y “Quacòmic”.
En el mismo año los acontecimientos cambian su vida, un grave accidente laboral le causó lesiones permanentes en el brazo derecho. No obstante a pesar de ser incapaz de dibujar o pintar debido a su lesión, continuó asistiendo a sus clases de dibujo y gradualmente aprendió a trabajar con su mano izquierda. Poco a poco y con gran determinación, Balaguer empezó a pintar, gracias al estímulo y a la ayuda inestimable de su mentor, Ricard Calvo. Hacia 1986 su mano y brazo derecho ya estaban bastante recuperados y podía participar en su primera exposición colectiva en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell. Un visitante de la exposición, propietario de una galería de arte, se interesó por su pintura y lo invitó a participar en una importante exposición. Seguidamente hizo su primera exposición individual en la misma galería, Cau d’Art en Sabadell, en 1988. Al año siguiente participó en una exposición colectiva en la Subex galería de arte de Barcelona, que a su vez dio lugar a una exposición individual en la misma galería en 1990. Este éxito lo alentó a dedicarse totalmente a la pintura en 1991.
Balaguer forma parte de los artistas del Nuevo Realismo pictórico internacional, su actividad artística se extiende también al campo de la fotografía.

Veamos algunas de sus obras

Chanel

Bosses de paper i pomes Bombeta trincada Codi de vida Brillo Les cebes Portabombetes i bombetes Condensed Campbell´s Memories in grey Still-life with light bulbs Ilum i ombres

Como siempre les dejo un enlace a galería donde podrán visitar el sitio oficial del artista. En este caso en particular el contenido será muy similar al que he incluido en este post, pero con la posibilidad de tomar contacto con el autor.

Espero lo haya disfrutado tanto como yo.

Chau

Bruna Abad - Valencia desde el mar

2011-08-17T00:14:00.000-03:00

La señora cegada por el sol de la fotografía adjunta es Bruna Abad; una artista plástica española nacida en Valencia que recibió su formación académica en las escuelas de Artes aplicadas de Valencia ingresando mas tarde en la escuela de San Carlos de Valencia . Recibe el título de Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Pintura por la Universidad Politécnica de Valencia. Es Técnica superior en Proyectos y Dirección de Obras de Decoración de la Escuela de Artes Aplicadas de Valencia .

Su obra se centra en su ciudad y las imágenes que de la marina extrae y transporta hacia el lienzo. La calidez de sus tonos y la determinación del encuadre suele darle la dinámica necesaria para transportarnos hasta el sentimiento real que despiertan en ella el mar y los barcos. Las miradas desde el mar hacia su ciudad natal, la cubierta abatida por la espuma desbordada y las playas sedientas de oleaje, son elementos que gracias a luz con que ella los ilumina se convierten en icónicos del estilo marinista de la mano de ésta excelente artista.

Los invito a disfrutar de su maravilloso trabajo.

Detalle naúticoVirajeTorre del relojOla Náutico nocturno Regata Lluvia Vela azulOla IIPuerto de Valencia Vela blanca Viento de frente Como siempre les dejo enlaces hacia los sitios personales de los artistas así como a las galerías que comercializan sus trabajos. En este caso será hacia el blog de Bruna Abad y la tecla galería los llevará a su espacio en Artelista.

Espero les haya interesado.

Chau.

Omar Ortiz - Hiperrealismo blanco

2011-08-10T00:03:00.002-03:00

Omar Ortiz es un pintor hiperrealista mexicano nacido en 1977 en la ciudad de Jalisco, Guadalajara, donde aun reside.

En él se despertó un gran interés por el dibujo y la ilustración desde una muy temprana edad gracias a la motivación propiciada por su padre. Tal vez una historia repetida pero no menos importante para aquellos artistas que nacen con el don de la observación y la potencialidad de llevar adelante la ardua tarea de plasmar sus obras en otros materiales menos etéreos que la propia mente humana.

Cursó la Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica, mediante la cual aprendió a trabajar con diferentes técnicas como el dibujo, óleo, pastel, carbonilla, acuarela, acrílico, y la aerografía. Al terminar sus estudios de Diseño Gráfico decide dedicarse al mundo de la pintura impulsado por su promotor y amigo Francisco González . En el año 2002 Cursa sus primeras clases de pintura al óleo con la Pintora Carmen Alarcón a la cual considera su principal maestra de Artes Plásticas. Actualmente Pinta al óleo por considerarla la técnica mas noble.
Su obra se encuadra en el Hiperrealismo – Minimalista donde predominan los blancos, la figura humana y un juego mágico de telas que dan movimiento y vida.

Veamos algunos ejemplos de sus trabajos.

Paradoja del olivo Lazo familiar En el estudio Enfoque Four La femme Mysticus VinculosManzanas Obrero El coloso Una idea de los tamaños

Como siempre les dejo un enlace a galería para que puedan observar las obras del artista. En este caso corresponde al blog de Omar Ortiz.
Espero lo hayan disfrutado.
Chau.

István Sándorfi - Borde Hiperrealista

2011-08-04T00:01:00.002-03:00

István Sándorfi o en francés Etienne Sandorfi nació en Budapest, Hungría, el 12 de junio de 1948 y fue un pintor que vivió la mayor parte de su vida en Francia falleciendo en París el 26 de diciembre de 2007.
En 1956, a los 8 años István abandonó Hungría con su familia. Hasta 1958 vivieron en Alemania, luego residió en Francia hasta su muerte. Se graduó en bellas artes en la École Supérieure des Beaux Arts (Escuela Superior de Bellas Artes) de París, y también asistió a la École des Arts Décoratifs (Escuela de Artes Decorativas). Inició su carrera dedicándose al dibujo, luego a los 12 años empezó a hacer óleos. En sus primeros dibujos de 1956 aparecían revolucionarios vistos desde la ventana de su casa en Kispest, saliéndole tan perfectos que su madre escondió estas obras. Desde los 70 y durante 15 años se utilizaba a sí mismo como modelo, siendo la principal causa de ello que le fastidiaba la presencia de otros mientras trabajaba en sus obras. Sin embargo no sólo alejaba a las personas de su alrededor sino también a la luz natural. Su primera exposición fue en una galería de París, a los 17 años. Estas pinturas las dibujaba con bolígrafo, y eran retratos generando efectos de fotografía. Desde entonces varias galerías extranjeras competían por exponer sus obras, así que más tarde sus pinturas tuvieron lugar en pinacotecas de Copenhague, Roma, París, Múnich, Bruselas, Basilea, Nueva York, Los Ángeles y San Francisco.
En su primer época, en vez de retratos, pintaba varios objetos en posiciones complicadas. Ha impactado al público con su bodegón de los intestinos. Entonces en sus obras a menudo se representaba en posiciones muy raras, con extremidades atadas, ojos tapados, o bien junto con objetos extraños.
A finales de los 70 y principios de 1980, su gama de colores constaba de azul, lila y sus combinaciones frías. En los 80 pintó varios fragmentos de brazo y pierna, así como bodegones, figuras femeninas, basados, por supuesto, en fotografías. Desde 1988 pintaba sólo figuras femeninas, utilizando muchas veces a sus propias hijas como modelos. Como era su costumbre, junto a los cuerpos femeninos cubiertos de sábanas, se hallaban también objetos raros. No obstante, en sus bodegones representaba, sobre todo, botellas y frutas (manzanas, naranjas, melocotones, peras). El fondo de sus pinturas era, por lo general, la simple pared blanca, aunque también pintaba con meticulosidad las hendiduras de esta. Aunque haya estudiado en dos institutos de gran renombre, siempre se consideró a sí mismo un artista autodidacta. Los críticos de arte con frecuencia englobaban a Sándorfi entre los artistas hiperrealistas; sin embargo él mismo nunca se consideró como tal, ya que en sus obras, aparentemente minuciosas, siempre hubo fallos intencionados, que rompía el efecto fotográfico de la pintura.

Los invito a disfrutar algunas de sus obras

STC Dos anne Bouteilles equerre Charade Fontaines des innocentes Abeas corpus STC Alexa Amours dociles amours fossiles STC Fruit defendu

Como siempre dejamos un enlace a galería para que visiten otros sitios con una mayor cantidad de obras.

Espero lo hayan disfrutado.
Chau.
STC: Sin Título Conocido

Tomek Setowski - Tradición polaca

2011-07-27T00:05:00.000-03:00

Tomek Setowski nació en Częstochowie en la cadena jurásica de las Highland (Jura Krakowsko-Częstochowska), Polonia, en 1961, lugar donde estudió y se graduó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Pedagógica Czestochowa. Son sus estudios los que le llevan a ser un buen conocedor de la historia del arte y hacer sus primeras obras para galerías locales. El público es su mejor crítico, pero pronto tendrá a su alrededor promotores de arte disputándose las ventajas de brindarle sus servicios. En 1995 sus pinturas se incluyen en una exhibición llamada “Polish Surrealists”, y es a partir de ahí donde su fama y prestigio crece y viaja a diferentes galerías de Alemania y Francia, y poco a poco su salto a Nueva York, Inglaterra o Suiza es un hecho.
Las pinturas de Tomek Setowski tienen un aire mágico, casi de cuento, enmarcado en un ambiente totalmente surrealista y mucho más suave visualmente que el de Beksinski. Sin embargo sus cuadros son todo un ejercicio para la vista, por la cantidad de objetos y personajes que se pueden llegar a encontrar, diseñados con trazos suaves y colores vivos. Pero además de pinturas que podrían llegar a parecer dibujos de cómic fantásticos, también cuenta entre sus obras con esculturas y otros objetos complementarios.

En el año 2000 abre en su ciudad natal el "Museo de la Imaginación". Como él mismo dice "Yo he creado una torre de marfil para escapar de la vida cotidiana, un Estado dentro del Estado, el centro del mundo donde me voy a quedar hasta el final de mis días". El lugar tiene una serie de secretos, es un parque de atracciones específicas del arte, sorprendiendo con una gran cantidad de objetos asombrosos. En el Museo el artista desarrolla sus visiones en diversos campos, es aquí donde Sętowski recoge los mejores y más exclusivos trabajos de pintura, escultura, dibujo y piezas de joyería. En este lugar mágico, uno puede encontrar instalaciones monumentales sacadas de sus lienzos, y sentirse por un rato como los personajes de sus historias. El "Museo de la Imaginación", contiene una galería y una sección de estudio. En la planta baja se observa un mundo sombrío y al mismo tiempo sorprendente colorido, mientras en la planta alta se encuentra un paraíso de la creación donde el artista ha recogido todo lo indispensable para él con el fin de trabajar fuera de todas las preocupaciones cotidianas y los problemas de la civilización moderna.

Sus pinturas se encuentran en una gran cantidad de colecciones privadas y museos, incluyendo el Museo Marítimo [Polaco: Muzeum Morskie] en Gdansk y el Museo de Artes de la Fantasía en Suiza. Ha realizado también una gran cantidad de publicaciones, incluyendo dos hermosos libros que han sido publicados en colaboración con la casa editorial "Muza". Sus pinturas han sido usadas en las portadas de revistas y libros .
Tomasz Sętowski ha presentado sus obras en aproximadamente 60 exposiciones individuales a nivel mundial.

Los invito a observar algunos de sus trabajos.

Lost Ship

Moon City
Oceanic orchestra
Two worlds
Dream
An argonaut’s ship
Tais and Aleksander
Invincible knight
The lost Ark
Festive opening of the Babel Tower

Como siempre les dejo enlaces a los sitios de los autores. En este caso uno a su sitio oficial y el otro a una página dedicada a su trabajo.

Espero les haya agradado.

Chau

Mart - Paredes de Palermo

2011-07-21T00:08:00.001-03:00

A la edad de 12 años, Mart dio sus primeros pasos en el mundo del graffiti junto con graffiteros algo mayores que él, participando en la primer ola al estilo de la Gran Manzana que llegó a Argentina en los 90’s. Trabajando con esos tempranos artistas, Mart se convirtió en uno de los primeros en pintar trenes enteros con la estilización de las letras típicas de la actividad, siendo parte de un fenómeno que nunca había sido visto en Argentina.
Con los años, Mart fue madurando como persona y en la relación con el arte y las calles. Su interés en el graffiti de letras y las pintadas en los trenes decayó, y comenzó a interesarse cada vez más en distintas formas de expresarse mediante la pintura, como también en su rol de artista dentro de la comunidad.
Hoy en día Mart viaja mucho más allá del graffiti tradicional con su estilo libre, espontáneo y fluido. Explora sujetos juguetones como hombres en bicicletas y piratas que tal vez parecen sencillos, pero que en realidad revelan líneas únicas y una técnica increíble en el uso del aerosol. En otras obras, Mart va aún más allá, casi hasta la abstracción total, con estudios radiantes de líneas y color. Mucho de su proceso creativo está influenciado por la improvisación, con remolinos aleatorios de líneas y formas que a veces terminan formando la composición en sí misma.
Mart está consolidado como artista contemporáneo, con un perfil internacional creciente y gran cantidad de exposiciones y muestras. Mantiene una relación fuerte con su comunidad y se puede ver gran parte de su obra por el barrio porteño donde pasó su infancia, Palermo. Ahora ya con más tiempo y el permiso de los dueños de las superficies encara obras cada día más complejas para decorar su ciudad.

Veamos alguna de sus intervenciones urbanas.

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Nosotros dos

Una intervención colectiva muy interesante donde participa Mart

Como siempre les dejo una tecla de galería para que visiten la página oficial del artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Elkin Cañas Ibañez - En lo clásico

2011-07-14T00:02:00.004-03:00

Elkin Cañas nació en Colombia en 1974, pero creció en Venezuela, donde se trasladó junto a sus padres a la edad de 3 años. Dibujar fue siempre parte de su vida, y descubrió su pasión por la pintura a muy temprana edad. Después de finalizar su bachillerato estudió diseño gráfico en el Instituto de Diseño de Caracas, y luego en la Escuela de Arte de su ciudad durante 2 años, decepcionado por el extremo énfasis en el arte moderno, y la falta de un entrenamiento tradicional y orientación hacia la pintura realista, se retira para trabajar y estudiar con el pintor y escultor italiano "Francesco Santoro" con quien viaja a su taller en Milan-Italia. Ha participado en numerosas exposiciones grupales e individuales en su país, además de Colombia y España. Sus pinturas han ganado premios en varios salones y competencias. Elkin realmente cree en una intensa y honesta observación de la naturaleza y en el estudio de los Antiguos Maestros y sus métodos, para crear una base fuerte sobre la cual el artista pueda crear una obra y una carrera sólida, contemporánea, de la mas alta calidad, belleza atemporal y permanencia por siglos.

Los invito a disfrutar de algunas de sus obras.

Caridad

Pax Become Goddess
Descanso bajo el Auyantepuy
Mandarinas
Bodegón con uvas
La manzana
Mate Morning light Pomodorini

Superficies Les dejo la tecla de galería para que visiten su exposición virtual y así completen este primer contacto con el artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Jorge Luis De Lorenzo - Evolución del diseño

2011-07-07T00:04:00.000-03:00

Jorge Luis De Lorenzo es un artista plástico argentino residente de la localidad de Castelar en la provincia de Buenos Aires. Dedicado desde sus inicios al aprendizaje de las artes plásticas ha cursado estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, en el Taller de Juan Carlos Castagnino, en el Taller de la Asociación Estímulo de las Artes, en el Taller de escultura escenográfica del Teatro Colón y en el Taller del escultor Naum Knop.

Ha realizado numerosas muestras personales así como también colectivas y sus obras se encuentran en las mejores colecciones. Ha participado en más de 85 exposiciones y salones Nacionales, Provinciales, Municipales y de instituciones culturales privadas y Estatales. Ha recibido también más de 30 premios y menciones especiales por sus obras.

Al recorrer las mismas en su secuencia temporal uno descubre el crecimiento personal del artista explorando nuevas opciones dentro de su propio y personal estilo. El colorido y la textura colaboran para que la profundidad de sus diseños geométricos dejen de ser simples formas para convertirse en sensaciones que atrapan y abruman al espectador. La tonalidad y temperatura de sus colores varía según las épocas y trabajan en conjunto para que la obra de Jorge Luis De Lorenzo no pueda pasar desapercibida al ojo con deseos de disfrutar de la calidad artística.

Jorge Luis también ha explorado las letras, razón por la cual muchas de sus obras se ven acompañadas de textos de su propia autoría. Vale la pena pasear por su página Web para disfrutar de toda una producción que ha ocupado gran parte de su vida.

Aquí alguna muestras para comenzar a disfrutarlo.

Cosmos I

Lo esencial es invisible
Blanco perfecto
El Bosco
Obra 11
Apoteosis
El portal de las quimeras
Entramado
Genesis
Panel
Oráculo

Como siempre dejamos el enlace a galería que en este caso los vinculará con el sitio oficial del artista donde podrán disfrutar de otras obras y tomar contacto directo con él. En este caso en particular recomendamos enfáticamente la visita pues no hemos podido presentar muchas de sus obras y el propio artista es una persona predispuesta a comunicarse con los demás y con su publico en particular.

Espero lo sigan disfrutando.

Chau.

Pedro Campos - Hiperrealismo madrileño

2011-06-30T00:06:00.000-03:00

Pedro Campos nace en Madrid en 1966, Diplomado por la escuela Oficial de Conservación y Restauración de Obras de Arte de Madrid, trabaja como restaurador de obras por toda España y como ilustrador en sus ratos libres. A partir de 1998 se dedica exclusivamente a la pintura hiperrealista.
Este pintor madrileño, que ha expuesto por toda la geografía española y en algunos lugares de Gran Bretaña y EEUU, con su delicada obra nos transmite la importancia y la esencia de esas cosas cotidianas y bonitas que nos rodean y de las que usualmente no nos percatamos, por no detenemos a observarlas el tiempo suficiente o no por que no reciben la luz apropiada.

Perdura y perdurará la eterna discusión del valor artístico o técnico del Hiperrealismo o Fotorealimo como gustan llamarlo los norteamericanos. ¿Esta perfección ampliada en obras de gran tamaño explotan en los sentidos y transmiten sensaciones al observador que puedan decididamente convertirlas en arte? ¿O se trata de ejercicios de perfección técnica, desafíos del artista con sí mismo?

Como sea, no dejan de mostrar objetos bellos y generar asombro en el observador interesado en el proceso de la pintura al óleo sobre soporte de bastidor entelado.

Pedro Campos es un eximio artista con todo el preciosismo de quien ha dedicado cientos de horas y paciencia en restaurar pinturas ajenas de valor patrimonial. Aquí se nos muestra poniendo ante nosotros objetos cotidianos vistos a través de su propia óptica iluminada de manera muy particular.

Disfrutemos parte de su obra.

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Como siempre les dejo un enlace a galería del artista mediante la siguiente tecla.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Washington Fernández - Construcción Uruguaya

2011-06-23T00:08:00.000-03:00

Washington Fernández nació en Uruguay en 1946 y desde 1970 se encuentra radicado en San Miguel, provincia de Buenos Aires en Argentina. Sus estudios artísticos los desarrolló en la escuela de Bellas Artes en su tierra natal para continuarlos a partir de su llegada a la Republica Argentina en la Escuela de Artes Visuales de la Municipalidad de San Martin. Ha participado en Salones Nacionales y Provinciales como el Salón Nacional, Salón Manuel Belgrano, Salón de Santa Fe, Salón de Tucumán, entre otros. Ha realizado muestras personales y colectivas además de ganar numerosos premios y menciones.

Su trabajo en óleo sobre tela nos remite a las formas duras y angulosas de la ciudad y sus construcciones, el ámbito laboral y los materiales asociados, impregnando a la obra de una dureza que parece opacar cualquier grado de humanidad que dichas construcciones podrían transmitir.

Sin embargo los objetos creados por humanos los muestran y exponen sin necesidad de que sus figuras tomen relevancia en la obra. El cemento parece brotar en cada centímetro pintado, clamando propiedad en un mundo donde la naturaleza parece estar muriendo.

Sin duda la obra de Washington Fernández es interesante y escasa en la Red, razón por la que los invitamos a observar algunos ejemplos subidos por el autor.

En reparación

Y muchos más lo siguieron
Hoy atiendo aquí
De remate
Final del viaje
El viaje de María
Los lunes me matan
Pocas reservas

Como es costumbre dejamos al menos un enlace a los sitios del artista para que nuestros lectores puedan visitarlo y así tomar contacto directo con él. Para este fin sigan la tecla galería y llegarán al blog de Washington Fernández en Blogspot.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.