miércoles, diciembre 16, 2009

Filete Porteño - Pintura de Tango

Algunas cosas sólo necesitan el debido momento para manifestarse. Las condiciones deben estar dadas, materiales e inmateriales. En el caso del filete3 denominado Filete Porteño , como lo han dado en llamar, debemos remitirnos a una combinación reinante en la denominada Belle Epoque o simplemente el cambio de siglo. Los años cercanos al 1900 fueron furioso caldo de cultivo de nuevas expresiones artísticas, pero como decíamos, las condiciones estaban dadas. En Buenos Aires, ese puerto donde el movimiento inmigratorio era asombrosamente similar al de NY o mayor aún, se habían radicado algunos artesanos de uno de los oficios indispensables para el comercio: los letristas. CDocuments-and-SettingsUserMis-documentosMis-archivos-recibidosSirena-1 En su mayoría provenían de Francia y asombraban a la clientela con la maestría con que desarrollan sus engalanados trazos, creando esplendidas inscripciones en vidrieras y carteles. Es que no solo un buen pulso caracteriza al letrista, sus herramientas son muy particulares: pinceles y bandas. Ambos coinciden en estar realizados con pelo de oreja de vaca de hasta cinco centímetros de largo. Los pinceles unen su mango a los pelos mediante una virola metálica, mientras que las bandas carecen de mango. Con estas herramientas, el letrista lograba realizar una carga de pintura tal, que podía ejecutar un solo y largo trazo sin necesidad de levantar el pincel en ningún momento. De esta forma, las líneas obtenidas eran de gran calidad, continuidad y finura. Sin embargo estos artesanos no fueron quienes crearon el filete, debieron converger con otros dos individuos, impensables tal vez, que tuvieron una idea y la llevaron adelante. En aquella época, a finales del siglo XIX, los carros y carretas de color gris tirados por caballos, transportaban alimentos como fileteado_Genovese leche, fruta, verdura o pan. Por lo general los mismos tenían un único tono de pintura: gris oscuro impuesto hasta ese momento por la municipalidad. El mismo era aplicado directamente en la fábrica, hasta que un buen día, unos pequeños empleados de la que se encontraba situada en la Av. Paseo Colón, inmigrantes italianos que contaban con diez y trece años de edad, por travesura o solo por experimentar, pintaron los chanfles de un carro de colorado. Al ver la obra, el propietario no solo quedó gratamente sorprendido, sino que imaginó la necesidad de avanzar con la idea utilizando líneas (filetes) que separaran los campos de color. Así nuestros pequeños amigos fueron enviados a aprender con los letristas franceses, de los que hablábamos al principio, las técnicas que permitirían a esta fábrica de carruajes, ofrecer a su clientela unidades totalmente personalizadas. Estos pequeños llamados Vicente Brunetti y Cecilio Pascarella fueron los iniciadores junto con Salvatore Venturo, de 507587368_8a42560e45 esta nueva moda de decoración, asociada principalmente a todo tipo de carruajes. Con el tiempo, la simple línea fue acompañada de un cartel de propaganda, luego se sumaron los dichos, versos y estrofas del cancionero popular, hasta finalizar con la inclusión de la simbología asociada a los motivos decorativos del Art Nouveau, ampliamente utilizados en la arquitectura de la época para decorar las fachadas de las residencias. Las letras pasaron a ser mayormente de tipo Gótica (en la jerga: Ergóstrica), principalmente por su adaptación al estilo decorativo y simétrico que imbuía al fileteado. Comenzaron a utilizarse los enmarcados de imágenes o símbolos, adornados con figuras simétricas de pájaros, flores, diamantes y dragones.
Según lo clasifica Alfredo Genovese en su libro “Filete Porteño” el filete debe cumplir los siguientes lineamientos: alto grado de estilización, preponderancia de colores vivos, marcación de sombras y claroscuros que crean fantasías de profundidad, uso de letra gótica o caracteres muy adornados, recurrencia obsesiva a la simetría, Pereira encierro de cada composición en un marco pintado, sobrecarga del espacio disponible y conceptualización simbólica de muchos de los objetos representados (p.ej. la herradura como símbolo de buena suerte, los dragones como símbolo de fuerza o virilidad).
Y los mensajes que colocaban en carros, camiones o colectivos!!…aquí van unos pocos ejemplos

Lo mejor que hizo la vieja, este pibe que maneja
Mirala de arriba abajo, lo hice con mi trabajo obelisco
Muchos miran mi progreso pero pocos mi sacrificio
Nacer no es mas que comenzar a morir
Que Dios te dé el doble de lo que me deseas
Se doman suegras a domicilio
Si querés uno igualito laburá como Marcelito
Ronca pero no duerme
Aprendiendo a vivir se nos va la vida
etc.
Con el tiempo comenzó a disminuir el uso de los carros y carretas, que fueron lentamente suplantados por el automóvil. En el caso de los usuarios de carruajes para el reparto de mercadería, este fue suplantado por el camión, al que las mismas fábricas de carruajes, le diseñaron la carrocería, al tiempo se sumó el colectivo cuya carrocería de madera y chapa también se fabricó en los mismos lugares. Así el arte del fileteado se fue heredando ya que los antiguos dueños de carros ahora poseían un camión, colectivo o taxi.
colectivo Lamentablemente al desaparecer un medio de transporte, desaparecía la obra junto con él. Miles de paneles decorados fueron deteriorándose con el uso hasta ser descartados definitivamente al desecharse cada unidad rodante. Todas esas obras únicas se perdieron. Pero las nuevas comenzaron a aparecer en forma exponencial. A finales de la década de los 60 y comienzos de los 70 se vivieron los años de esplendor para el fileteado pues, además de los buenos maestros en este arte, existían grandes camiones y colectivos en cantidad. La escultora argentina Esther Barugel y su esposo, el pintor español Nicolás Rubió, fueron los primeros en realizar una investigación minuciosa sobrecamion la génesis del fileteado; entonces organizaron el 14 de septiembre de 1970 la primera exposición del filete en la Galería Wildenstein, en Buenos Aires. Ya prácticamente no existían tablas fileteadas de la época de los carros. La exposición, en la que destacó el fileteador Carlos Carboni, fue un éxito e hizo que la gente de la ciudad comenzara a apreciar aquello que veía cotidianamente circular por las calles, pero a lo que nunca había prestado especial atención.Con el tiempo se han sumado muchos maestros entre los mejores exponentes de este arte (Maestros Fileteadores, citados por los estudiosos Nicolás Rubió y Esther Barugel), se encuentran , por supuesto, los primeros fileteadores: Salvatore Venturo, Cecilio Pascarella, Vicente Brunetti, Alejandro Mentaberri, Pedro Unamuno, y el renombrado Miguel Venturo; a una segunda generación pertenecen Andrés Vogliotti, Carlos Carboni, León Untroib, los hermanos Brunetti, los hermanos 10518_1234525938345_1085080688_742704_4177319_n Bernasconi, Enrique Arce, Alberto Pereira, Ricardo Gómez, Luís Zorz y Martiniano Arce, destacándose este último como un renovador al utilizar por primera vez el fileteado porteño como pintura de caballete y obteniendo a lo largo de su trayectoria un sólido reconocimiento en el terreno del arte.De la nueva generación se destacan Jorge Muscia, por los premios recibidos en el terreno de la plástica y sus numerosas muestras en el exterior, y los fileteadores Alfredo Genovese (a quien debemos el libro del enlace y vemos en algunas fotografías), Elvio Gervasi, Miguel Gristán, Adrián Clara, José Espinosa, Alfredo Martínez, Sergio Menasché, entre otros, que siguen desarrollando este arte en la actualidad. A partir de la década de los 90 también se han agregado (gracias a dios) varias mujeres a este oficio.En el año 2006 la legislatura porteña declaró al fileteado como Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires a partir de la sanción de la ley 1941. Mas tarde se abogó por la derogación del decreto del año 1975 que impide el filete en los colectivos de Buenos Aires. En la actualidad sólo se permite un sencillo filete entre lossulky1 planos de color del techo y la parte inferior del colectivo.
Ante la decadencia del oficio, hace ya más de veinte años que los fileteadores se incorporaron a la pintura de caballete, a la decoración de objetos y al lenguaje publicitario. De esta forma, separándose del objeto rodante que lo encasillara, se está asegurando su permanencia como “obra de Arte decorativo”. Sólo desde hace una década se ha ido convirtiendo en emblema iconográfico de la ciudad junto, o asociado, a su género musical característico: el tango. El fileteado se ha unido al tango no solo comoDSC00017 una reconocida manifestación artística de identidad porteña, sino como una necesidad turística.
Así vemos como una costumbre urbana, unida de la mano por la necesidad de humanizar al objeto rodante con atributos que lo diferencien y le den personalidad similar a la del propietario, con el tiempo se ha afianzado en el uso popular y ha tomado por derecho propio la posición dentro del arte urbano que le corresponde. De más está decir que existen detractores y adeptos. Unos lo consideran arte, otros imaginería del proletariado. Pero como muchas otras tendencias, el Fileteado Porteño ha venido para quedarse.
Aquí te dejo un enlace al libro de Alfredo Genovese y otro a su sitio oficial.
Espero que lo disfrutes. Chau.compose_genovese
Fuentes Fileteado Porteño- Alfredo Genovese, Esther Barugel y Nicolás Rubió (2004). El Filete Porteño,Martiniano Arce (2006). El Arte del Filete.

libroEnlace 1Enlace 2

sábado, diciembre 12, 2009

Alfons Maria Mucha - Artista del Art Nouveau


Han pasado más de cien años y cada día sigue asombrando como el primero. La era de las computadoras Mucha ha traído de la mano avances asombrosos en el área del diseño, pero la obra de este artista no deja de ser referencial para todos. ¿Un innovador? ¿genio creativo? ,sí, todo ello y más aún. Hablamos de Alfons Maria Mucha (24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939) pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau. Mucha fue una de las personalidades artísticas más polifacéticas de fines del siglo XIX y principios del XX. No solo fue pintor y dibujante; también se ocupó de la escultura, del arte útil o aplicado a la industria, del diseño de joyas y de diversos proyectos de arquitectura interior. El estilo “Mucha” adquirió un carácter paradigmático para toda una  generación de artistas de tal manera que fue por algún tiempo sinónimo de Art nouveau y modernismo.Mucha-Maud_Adams_as_Joan_of_Arc-1909
Aunque de origen moravo, Mucha obtuvo sus más grandes éxitos  en Paris retratando el cambio de siglo y de filosofía de vida del Fin de Siècle y de la Belle Époque.
Mucha se vio colmado de pedidos como el del pabellón de Bosnia y Herzegovina para la Exposición Universal de Paris, el diseño de diversos carteles para teatros y exposiciones y anuncios publicitarios para perfumes, cigarrillos y golosinas.
Su carrera se desarrolló desde 1879 cuando se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retra3578753465_b9d9448402 tos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Más tarde en 1887, Mucha se mudó a París y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para  revistas y publicidad. Su salto a la fama lo logró con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance, el cartel anunciaba la obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció en los primeros días de enero de 1895 en los muros de París, y causó una auténtica sensación. Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia.159interior-de-la-joyeria-de-georges-fouquet-reconstruido-por-el-musee-des-arts-decoratifs-en-paris-mucha Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado, lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones.
Mucha ya había creado un estilo que representaba una lograda combinación y acabada síntesis de elementos estilísticos provenientes de diversas épocas y el carácter plano del Art nouveau contemporáneo. Había crecido en un entorno de profunda raigambre católica y desde su niñez le habían fascinado los utensilios del culto, así como los ritos y ceremonias religiosas. No solo la postura y vestimenta de algunas de sus figuras recuerdan las imágenes barrocas y neogóticas de 156mucha-sentado1 santos medievales, los detalles ornamentales, como el siempre reiterado círculo o aura rodeando las cabezas, las superficies de mosaicos o los símbolos de la cruz, provienen evidentemente del arte sacro. Esto se fue mesclando con el influjo del arte de Asia oriental redescubierto a fines del siglo XIX, sumémosle la influencia del grabado japonés y los estrechos contactos que mantuvo con grupos simbolistas y afines, como los masones y tendremos el caldo de cultivo propicio para el arte de Mucha. Sin embargo, en sus propias obras las alegorías y motivos de inspiración simbólica eran sólo con fines decorativos. Mucha también sacó provecho del particular momento que le tocó vivir. El arte del cartel experimentó una época de florecimiento gracias a las obras de Toulouse-Lautrec, Eugène Grasset y Jules  Chéret.. tomándose como una democratización del arte, ya que las calles eran consideradas como galerías de arte públicas.
Luego del tremendo éxito de los carteles realizados para Sarah Bernhardt, la imprenta Champenois de Paris comenzó a editar los llamados “panneaux décoratifs”, realizados con papel grueso y seda, qmucha_moetue eran enmarcados como cuadros o empleados para decorar biombos, según una moda imperante en aquella época. En general se trataba de series de cuatro cuadros, impresos en grandes tiradas y que alcanzaban gran difusión. Algunos motivos se usaron en tarjetas postales artísticas que lograron incrementar la popularidad de las composiciones. Con el tiempo Mucha aceptaba encargos por motivos puramente financieros y hacía concesiones a los deseos de los clientes. Finalmente se produjo un enrarecimiento de su  inventiva artística, que se manifiesta en los innumerables menús de restaurantes, viñetas publicitarias y hojas de calendario, sin olvidar el empleo de sus motivos en objetos de materiales ordinarios, como escudillas de chapa repujada.
Un buen día lo contactó el joyero parisino Georges Fouquet, que había observado los diseños de joyería con que Mucha decoraba sus bellas ninfas de cartelera. La colaboración entre el joyero y el artista comenzó probablemente en 1898. Los diseños eran desacostumbrados y reproducidos con gran lujo de detalles, también en sus materiales. Fouquet presentó una colección de estas joyas en la Exposición Universal de Paris en 1900. El vínculo entre Mucha y Fouquet engendró otra llamativa obra: la fachada y la decoración interior del negocio de joyería. La Boutique Fouquet es considerada la “obra de arte total” lograda por Mucha. Lamentablemente en 1923 Fouquet decidió remodelar el establecimiento y solo algunas piezas de mobiliario fueron preservadas por el Musée Carnavalet de Paris.
En 1902 se publicó la obra Documents décoratifs de Mucha, una carpeta que es una demostración de su inagotable inventiva. La obra abarca desde nuevos tipos de escritura hasta minuciosos estudios de plantas, pasando por diseños para objetos decorativos de uso diario, como ser muebles, cubiertos, vajilla, etc. La obra parece un manual dedicado al modernismo.
En el año 1910 alphonse-mucha-jaroslavaMucha regreso definitivamente a su patria. Inmediatamente comenzó los murales de la Sala de los Próceres en el ayuntamiento de Praga. Le dedicó a esta obra todo su entusiasmo patriótico y plasmó sus ideales en la representación de la mitología eslava. Todo lo que había soñado en su juventud.  En un reciente viaje había conocido en Estados Unidos al rico industrial Charles Richard Crane quien financió esta obra compuesta de veinte lienzos monumentales. En ella el artista reflejó con gran énfasis idealista la vida de los Checos. Al entregar la obra a la ciudad de Praga en 1928, debió sufrir la más cruel desilusión: el estilo y el modo de representación fue tachado de academicismo retrógrado, mientras que el tema fue considerado como un brote de nacionalismo ya superado por la historia.
Después de varios decenios de permanecer olvidado por todos, Mucha fue redescubierto junto con el arte de principios del siglo XX. Fue cuando el llamado “arte útil” fue revalorizado por la simple razón de tener las mismas exigencias y método que el llamado “arte libre”.
Para muchos de nosotros Mucha seguirá siendo el creador de obras inolvidables. Dueño de un estilo que lo identifica por si solo. Es que observando una obra de Art Nouveau, sólo nos viene a la mente un nombre: Alfons Maria Mucha
 Te dejo un enlace a una página hispana que ha condensado muy bien una gran catidad de obras de este artista. Su nombre "Arte y Artistas - La Pinacoteca de Ninona". Que lo disfrutes. Chau.
Fuente: extractos de Alfons Mucha- Artista del Art Nouveau de editorial Taschen
Diversos artículos disponibles en la WWW


miércoles, diciembre 09, 2009

Helmut Ditsch - Realismo Posmediático

2000
Gracias a Dios Helmut Ditsch sigue sintiéndose profundamente argentino. Su sitio Web tiene como logo (Favicon) la bandera nacional, nada menos. Es que Helmut ,a diferencia de tantos que nos hacen quedar mal, nació en Villa Ballester, Provincia de Buenos Aires, Argentina y no lo ha olvidado. Ha vivido en Mendoza, en el sur argentino , Estados Unidos y un buen día se fue a Austria. Se convirtió en uno de los artistas mejor pagados del mundo, se compró un castillo en Irlanda (Dublin) tres Ferrari y allí lo veremos ahora, seguramente extrañando, ya sin el castillo que le resultaba muy caro de mantener pero siguiendo con su estilo de vida de gran artista. Pero bueno, se merece que sea un poco más prolijo en el relato.
Nacido en el año 1962 sufre la pérdida de su madre víctima de cáncer cuando apenas tenía siete años. Cuenta que su padre lo marcó tempranamente en su adoración por la naturaleza al contarle que ella estaría viva en cada flor y en cada montaña.2002-gr
Cumplidos sus estudios y el Servicio Militar en el arma de Marina, se aboca de lleno a la pintura en Buenos Aires y pasa a residir por un corto tiempo en Estados Unidos. Lamentable y felizmente a la vez sufre una profunda decepción y estafa por parte de un merchand de galería de arte en argentina, razón por la cual a partir de ese momento decide manejar él mismo la parte comercial y de ventas de su obra. Ya corre el año 1985.
En 1986 deja el surrealismo y decide dedicar un tiempo a su afición de escalador. Es durante una de sus escaladas ( cima del Aconcagua) que dice haber sufrido una revelación y determinado que ya no debía rendir cuentas a nadie sobre su obra. Vende su motocicleta Honda 900 y con ese dinero se dirige a Austria con la intención de aplicar en la Academia de Bellas Artes de Viena. Vive allí desde 1988 hasta 1993. Hasta ese momento su trabajo de pintor autodidacta le había alcanzado pero sabía que el secreto de la técnica estaba guardado en algún sitio y estaba casi seguro que éste era ese. Las autoridades no lo incentivaron mucho al ver su obra anterior, (hoy en día destruida pero que valdría miles de euros) pero con la preparación correcta logró ingresar y tiempo después recibir su diploma.
2004-gr En 1991 realiza la serie Zyklus, en 1993 finaliza su primer cuadro de gran formato y de allí en más los éxitos y las ventas por mas de 300.000 U$A cada uno. Su mayor cliente fue siempre el BIGy el Banco Central de Austria. Es hasta el momento el artista argentino mejor cotizado del mundo.
Ahora bien, cuales son las características de su obra? Principalmente nos estamos refiriendo a pinturas de grandes dimensiones. Paisajes de hasta 12 metros de longitud, fina y meticulosamente pintados, logrando la sensación de estar viendo una imagen Hiperrealista. Helmut niega esta aseveración y la denomina Realismo Posmediático. Tales dimensiones incluidas en espacios limitados como un gran salón o recepción, generan la ilusión de incluirnos dentro del paisaje cual si este fuera verdadero. De tal forma Helmut cuida no solo el detalle sino también la premisa de no permitir la inclusión de ninguna figura humana en la obra.Zarathustra
Su técnica depurada más su mecánica casi prusiana hace que luego de tomar su desayuno ,(mate bien cebado) ejercitarse y comenzar la concentración en el trabajo, sus sesiones duren hasta 36 horas seguidas. Helmut asegura que una vez superada la barrera inicial de algunas horas, su efectividad aumenta minuto a minuto, situación que evita que abandone el trabajo  prematuramente pues siente que está en su mejor momento.
Sus cuadros  requieren que se aisle por hasta cuatro meses para lograr las imágenes soñadas. PeritoMoreno
Muchas de ellas son elementos reales, tomados de estudios realizados durante sus viajes a  la Patagonia, Mendoza o los Alpes. Las imágenes del Glaciar Perito Moreno pueden ser identificadas inmediatamente sin ninguna aclaración adicional, al menos para un argentino.
Aquí les dejo una lista de algunos hitos en su vida artística así como datos de sus más remarcables obras (Clickeando en el nombre verás las obras). Nótese que en algunas figuran las medidas de cada “lienzo”.
1991-Realiza la serie Zyklus (Ciclo).EwVergaenglk
1993-Finaliza el primer cuadro de gran formato.
1994-Ditsch traslada su atelier en un antiguo hogar de niños cerca de Viena.
1995-Viaje de estudio a Argentina. Atraviesa el Hielo Continental Patagónico.
1996-Realiza la pintura panorámica “Klagenfurter Becken” por encargo de la BIG, República de Austria. Estudio del tema “Los diez mandamientos” en la península del Sinai.
1997-Invitación a participar en el certamen artístico organizado por el OeNB II, Banco central de Austria.
1998-Ditsch pasa varias semanas aislado en los Alpes austríacos preparando varios estudios para la obra “Das Gebirge” (La Cordillera).
1999-Tras dos años de trabajo, el artista termina la pintura “Das Gebirge” (La Cordillera), 150 x 1190 cm, para el OeNB, Banco central de Austria. Realiza la obra “Grossglockner II” por encargo de la BIG, República de Austria. Nominado para el Premio Anton Faistauer.
2000-Ditsch traslada su atelier a Irlanda, donde también reside.
2002-Finaliza la obra “Das Eis und die vergängliche Ewigkeit” (El Hielo Y La Eternidad Transitoria) para la BIG, República de Austria, y “Los Hielos” para la agencia Agulla & Baccetti, Buenos Aires. Pinta la obra “Reducción”, una miniatura de 2 x 5 mts, inspirada en la obra monumental “Das Eis und die vergängliche Ewigkeit”.
2003-Realiza la obra “Under Your Sign” (Bajo Tu Signo), 800 x 360 cm, para la sede central de la empresa constructora STRABAG de Viena.
Viaje de estudio a los Andes chilenos para la obra “Aguas blancas”.
Brinda diversas conferencias sobre arte en universidades de la República Argentina.
Viaje de formación a la costa oeste irlandesa (Loop head).
2004-Finaliza la obra “Also sprach Zarathustra” (Así habló Zarathustra) a pedido de la empresa CUUBUUS Real Immobilien. Realiza las obras “Cafayate” y “Das Meer I” a pedido de la República de Austria.
2005-Completa el ciclo “Grandes Temas naturales” con la obra “Das Meer II”.
Editorial Prestel edita la primer monografía
En un Reportaje a La Nacion Revista Helmut contaba cual es el elemento que le permite trabajar de manera tan extrema. Decía:
Traunsee
"Es que el cuerpo, que es una máquina genial, tiene una droga que se llama endorfina, unas hormonas de placer que recibe el cerebro y te dicen okay, sigamos así porque está todo bien... Después de tantas horas de trabajo yo estoy con las endorfinas superpuras y ¡estoy feliz! No necesito comer, y mi cerebro me dice ¡bien! sigamos, que esto está genial . Pero si las endorfinas no se producen, el cerebro te dice bueno, pará Helmut, que estás cansado, se te irritan los ojos, te tiembla la mano, tenés hambre, seguí mañana ..."
Terminaba aquella nota respondiendo esta pregunta:
–¿Cuál es el espacio de la cordura y la locura en tu vida?
La gente no puede entender que yo me encierre durante cuatro meses a pintar. Les parece que estoy loco.
–¿Y qué pensás vos?
Yo sé que estoy completamente cuerdo. Lo que pasa es que esa cordura es tan extrema que, para la norma, es una especie de locura. Meer2
Que suerte que existan estos locos. Esos que siempre llamamos “Locos Lindos” y para colmo  exitoso. Con decirte que aún pasa a saludar por Villa Ballester...
Está casado con Marion, una alemana que conoció cuando él tenía 29 años y ella 19, momento desde el cual no se separaron.
En 2008 lanzó al mercado europeo una serie de vinos de Alta Gama bautizados como "Cuyucha Mansa by Helmut Ditsch", dos exclusivos malbec Reserva y Gran Reserva cosecha 2005, concebidos enteramente en sus propios viñedos de la Provincia de Mendoza, junto a su hermano Herbert Ditsch. Su precio ronda los €200 por botella, con lo cual se convirtió en el vino argentino más costoso que se haya lanzado al mercado mundial.
Te dejo este link para que te regodees con la obra de este querido artista del que ya somos fanáticos. Chau.
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domingo, diciembre 06, 2009

John Pugh - Trompe lóeil

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En las artes conectadas a la imagen existe un término que ha maravillado a algunos y ha economizado recursos para otros. La Trompe l'oeil que en francés significa "engañar al ojo" es una técnica ilusoria con una larga historia en el arte occidental. En español se la denomina trampantojo (o «trampa ante el ojo») Los trampantojos suelen ser pinturas murales realistas creadas deliberadamente para ofrecer una perspectiva falsa. Pueden ser interiores (representando muebles, ventanas, puertas o escenas más complejas) o exteriores, en muros de edificios.
John Pugh es un artista norteamericano que desarrolla su obra pictórica en esta técnica. Junto con Eric Grohe y otros jóvenes artistas, ponen a disposición sus pinceles para hermosear zonas urbanisticamente descuidadas, realizar campañas publicitarias esponsoreadas o simplemente ocupar paredes que de otro modo quedarían desprovistas de todo tipo de atractivo.
Veamos algunos de los trabajos de John.

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La intención es crear una ilusión óptica, en la que el espectador tenga la impresión de que hay un objeto tridimensional o escena delante de ellos, no sólo una imagen realista. Esta fotografía muestra una pared lisa, totalmente vertical donde se ha realizado un mural que genera la ilusión de una inmensa ola rompiendo,una persona surfeando y público observando la obra. Es decir, observadores dentro de la obra observada. 

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En esta pared lateral de un comercio, se ha pintado el mural con la intensión de crear la ilusión del efecto de un terremoto. Al caer la pared se observa un templo, posiblemente Maya, dedicado al dios Jaguar, deidad de los terremotos. La mujer parada observando, también es parte del mural.

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Esta pared lateral en una universidad de California, muestra un mural donde , de forma similar al anterior, como resultado del desmoronamiento de la mampostería, se desvela un templo Griego, presuntamente oculto.

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Este también es un mural sobre superficie plana. El toro, el andamio con el pintor descansando,las columnas y los pájaros se encuentran todos dentro de la obra.

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Este mural se encuentra dentro de un café en California. El mismo trata de generar un café dentro del café real. La mujer que se encuentra sentada consumiendo mientras lee un libro, es también parte de la obra.

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Por último una imagen sin tanta intrusión humana, pero que crea casi un ambiente adicional donde en realidad se encuentra solo una pared.

Existen otros artistas que han utilizado este truco o técnica. Tal vez uno de los más famosos sea Pere Borrel del Caso con esta imagen …

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o, aquellas utilizadas en arquitectura para convertir en más amplios o mas estrechos diferentes salones, manipulando los tamaños de columnas o puertas.
Como sea, se trata de una más de las diferentes formas de engañar a nuestro ojo con complicidad de nuestro cerebro y viceversa.
Te dejo algunos enlaces para que disfrutes de la obra de este artista y de algunos más. Principalmente podrás observar la obra de Julian Beever un artista británico quién hasta hace poco tenía un programa en el canal Film and Arts donde mostraba sus obras anamórficas realizadas en tiza en las aceras de diferentes ciudades (si, Buenos Aires También).
Que lo disfrutes. Chau.
Enlace 1Enlace 2 Enlace 3

 

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